Une vie en couleur

"Yo solía pensar que era la persona más extraña en el mundo, pero luego pensé, hay mucha gente así en el mundo, tiene que haber alguien como yo, que se sienta bizarra y dañada de la misma forma en que yo me siento. Me la imagino, e imagino que ella también debe estar por ahí pensando en mí. Bueno, yo espero que si tú estás por ahí y lees esto sepas que, sí, es verdad, yo estoy aquí, soy tan extraña como tú."

"Pies, ¿para qué los quiero si tengo alas para volar?"

Frida, Friducha como Diego la llamaba, nunca dejará de sorprenderme. Antes de terminar este complejo año 2013, me gustaría hablar de esta gran artista. ¿Por qué Frida? Por que quizás este año ha sido cuando más nos hemos encontrado y compartido. Mi año 2013 ha sido de búsqueda, de ilusión y de mucho trabajo en el que siempre el arte de Kahlo ha tomado parte. 

Desde siempre me ha impresionado todo su trabajo y dedicación. Su mundo interior que plasmaba con gran pasión. El arte fue su vehículo para adentrarse a mundos a los cuales no podía acceder, fue su medio para mostrar todo su dolor y superación. Es un reflejo de toda una vida de lucha y amor por todo lo que hacía. 

Frida tuvo una vida intensa, desde muy pequeña destacaba su creatividad e ingenio y su predilección por la cultura precolombina, como vemos en su obra Mi nana y yo. Su salud se resintió a muy temprana edad con problemas de poliomielitis de ello heredó el respectivo mote de "Frida la coja". 

Pero más tarde fue cuando su presente y futuro dieron un giro brusco y doloroso. El autobús, ese día y todo su mundo vivido ya no sería igual. Aquel accidente le acompañaría siempre, tenía que vivir con este dolor y tormento toda la vida. Pero Frida supo afrontarlo con coraje y fuerza. Aprendió a convivir con ello y a disfrutar de lo que la vida le iba ofreciendo. 

Durante el tiempo que pasaba en la cama, se las arregló para seguir pintando tanto oleos como su propio corsé de escayola.                               

Apasionada de la cultura mexicana, del arte popular y la cultura precolombina, como nos muestra en casi toda su producción, ya que las primeras obras aun se encuentran muy influenciadas del arte academicista. Junto a los muralistas mexicanos, Frida quería dotar su obra de un sentimiento nacionalista mexicano, compartía con ellos el mensaje revolucionario de lucha y compromiso social. 

En lo inestable y complicado Frida supo buscar la fortaleza y combatió luchando por conseguir todo aquello que soñaba. El arte le enseñó a tener alas y con ellas sus obras pudieron volar por todo el mundo, como hoy lo siguen haciendo. 

“Amurallar el propio sufrimiento es arriesgarte a que te devore desde el interior.”

“Espero alegre la salida y espero no volver jamás.”

Fuente: KETTENMANN, Andrea, Kahlo. Taschen, Madrid, 2007.

La sensibilité des yeux, Tina Modotti

"Hoy no me puedo dar siquiera el lujo de mis penas... sé muy bien que ésta no es hora para lágrimas; esperan de nosotros lo más grande y no debemos aflojar... ni parar a mitad del camino... el descanso es imposible... ni nuestras conciencias ni el recuerdo de las victimas muertas nos lo permitirían" Tina Modotti, carta a Weston. 

“Tina Modotti, hermana, no duermes, no, no duermes; tal vez tu corazón oye crecer la rosade ayer, la última rosa de ayer, la nueva rosa”. Pablo Neruda.

Modotti junto a Weston se pusieron en camino hacia la ciudad de México dejando atrás muchas desilusiones, sueños y una carrera, por parte de Tina como actriz, que muy pronto fueron reemplazándose por otros, como fue la fotografía. 

Con la palabra de Weston de que la adentraría en el mundo de la fotografía, Tina comenzará su pasión por dicho arte. Weston a cambio la tomará como modelo. 

La vida de Tina en México fue intensa pero breve, desde el primer momento se encontró muy agusto, al poco ya conocía a varios artistas revolucionarios como fueron Frida Kahlo, Diego Rivera, Alfaro Siqueiros, entre otros muchos. Con ellos creará una relación muy estrecha y compartirá tanto una labor artística como política. 

En sus primeros trabajos con Weston como "tutor" aun no veremos el alma de Tina, ya que todavía se encuentra muy impregnada de la huella de Weston. Junto al trabajo en el laboratorio y haciendo de modelo, llevará acabo una labor activista en la política colaborando con el periódico creado por los muralistas llamado El Machete, su trabajo fue traducir del inglés y del italiano artículos antifascistas. 

Durante 1926 expondrá junto a Weston y algunos de los muralistas, en este año también tiene lugar la partida definitiva de Weston a Los Ángeles, donde en su ausencia Tina desarrollará una actividad artística en solitario como fotógrafa y junto a ello será contratada por los muralistas para documentar todo el proceso creativo. Poco a poco se irá alejando de la estética influida por Weston para encontrar la suya propia tanto a nivel temático como formal. 

Tina se adentrará en los lugares más sencillos de México, viajará por sus calles una y otra vez con su cámara, atenta, con los ojos bien abiertos para captar la verdadera esencia de la ciudad. Durante su estancia fue severamente juzgada por aquellos que bajo un pensamiento conservador no entendían su comportamiento, ni lo veían correcto; para entonces una mujer no salía más tarde de las ocho, ni compartía un lugar público con sólo hombres, ni tampoco posaba como modelo totalmente desnuda. 

En sus fotografías, a parte del valor estético (belleza), del esquema compositivo, del motivo simbólico, alegórico e ideológico que incluye en muchas de sus obras, nos encontramos ante una nueva mirada, cercana al fotoperiodismo. Tina, quiere hacernos partícipes de todo lo que contempla, la realidad tal y como es. Hace de su fotografía un compromiso social. El protagonista es el pueblo más humilde, que vive en la miseria y en la injusticia social. 

Tan segura estaba de poder llegar a construir un nuevo modelo social , que en 1927 se afilió al Partido Comunista Mexicano, donde entre otras cosas, estaba de acuerdo con combatir la política expansionista norteamericana. Durante este tiempo convivirán tanto una labor política como una artística, de hecho no son dos realidades separadas, sino que van a estar unidas en toda su trayectoria.

Tina revolucionó la fotografía mexicana. Le importaba contextualizar lo fotografiado dentro de un ambiente humano, social y realista. Imprime en cada obra una sensibilidad y una pasión por todo aquello que inmortaliza, teniendo como resultado la vivencia de una realidad tangible, que nos llama a la empatía y a conocer la verdadera alma de México.  

"Son los tuyos, hermana: los que hoy te dicen tu nombre,

los que de todas partes, del agua, de la tierra,

con tu nombre otros nombres callamos y decimos,

porque el Fuego no muere." Pablo Neruda.

Fuente: FIGARELLA, Mariana, Edward Weston y Tina Modotti en México. Universidad Nacional Autónoma de México, México, 2002.

Joseph Beuys, l'art comme la vie

“Cada hombre es un artista. En cada hombre existe una facultad creadora virtual. Esto no quiere decir que cada hombre sea un pintor o un escultor, sino que existe una creatividad latente en todas las esferas del trabajo humano”

Para Beuys, procedente de un entorno católico practicante, interesado por la poesía y las ciencias naturales, que combatió en la II Guerra Mundial en la Aviación, todo cambió tras su caída en Crimea, donde nos cuenta que le acogieron y cuidaron unos tártaros nómadas y que con sus ritos de curación le ayudaron a sobrevivir. Este tipo de medicina curativa no era convencional, era primitiva ritual, algo ya perdido en el desarrollo de la civilización. 

Tras estudiar arte en la Academia Nacional de Düsseldorf en 1961 le ofrecieron un puesto como profesor de escultura en la misma academia. En sus clases Beuys se opondrá totalmente a la figura tradicional y estricta del profesor y va a entablar una relación más estrecha y directa con los estudiantes, donde unos aprendan de los otros. Pero su actividad no se quedará sólo en ser profesor, sino que trabajará en exposiciones y acciones, relacionándose con artistas del momento. Propone una universidad libre, donde quien lo desee pueda aprender y donde se atiendan a las necesidades demandadas por los alumnos. Por todo ello y su relación con el profesorado y la administración, fue expulsado en 1972.

Beuys no entiende una forma de arte separada o apartada de su contexto, por eso toda su producción va a estar integrada en su vida. La política establecerá una relación muy estrecha con el arte y en las acciones de Beuys. Mientras llevaba a cabo una labor activista en la política y accionista en el arte, crea su perseguida Universidad Libre, donde podrá llevar a cabo todo aquello que proponía. 

Podemos considerar a Beuys como un escultor social, un activista interesado tanto en el arte como en la política. Quería dar un giro a la forma de entender el arte y de producirlo. El arte va más allá de lo que siempre a abarcado; rompe fronteras y llega a todos los sectores de la vida. 

“A mi juicio, el arte ha llegado a un término, toca a su fin y ahora comienza un periodo en que asoma la necesidad de un arte social”.

De esta forma nos propone que nosotros mismos seamos la revolución (La Rivoluzione Siamo Noi), que el arte nos llame y revolucione nuestro modo de vivir, ya que como él comenta, el arte no se puede quedar acotado en el espacio cerrado del museo, sino que debe de transformar nuestra percepción y al hacerlo cambiar el mundo en el que vivimos. Por lo que toda su obra no se puede desligar de su vida cotidiana.

Beuys nos hace ver cómo el arte nos enseña a pensar, nos ayuda a salir de la alienación a la que estamos sometidos, nos hace ser libres, ser críticos con la sociedad y la política. 

“La cuestión es la capacidad de cada uno en su lugar de trabajo para convertirse en una fuerza creativa y reconocerla como un deber artístico a cumplir”.

Fuente: BOZAL, Valeriano, Modernos y postmodernos. Historia 16, Madrid, 1989.

Puagh! sacré bleu!

"[...]¡Oh fealdad santa, amiga de castidad, desdeñadora de escándalos, defensora contra los peligros!" Ortensio Lando, Mejor feo que bello.       

"Pero yo, que no he sido formado para estos traviesos deportes ni para cortejar a un amoroso espejo...; yo, groseramente construido y sin la majestuosa gentileza para pavonearme ante una ninfa de libertina desenvoltura: yo, privado de esta bella proporción, desprovisto de todo encanto por la pérfida naturaleza; deforme, sin acabar, enviado antes de tiempo a este latente mundo; terminado a  medias, y eso tan imperfectamente y fuera de la moda [...]" W. Shakespeare, Ricardo III, I.

"¡Oh, encanto de una nada locamente emperifollada!" Baudelaire.

Lo feo, lo desagradable, lo obsceno, lo grotesco, lo caricaturesco, etc. son categorías estéticas que a lo largo de los siglos se han ido conformando; algunas de ellas ya las podíamos encontrar en los dibujos de Leonardo da Vinci o incluso mucho antes, en el mundo clásico en los distintos frescos procedentes de Pompeya, en la decoraciones de los vasos griegos, como también en las diferentes máscaras y estatuas de bronce. Uno de los ejemplos más representativos lo encontramos en el dios Príapo, al cual se le representa con el falo erecto. 

Muchas estas categorías nos pueden conducir a lo cómico y producirnos risa, en otras ocasiones desagrado, y si es algo referente al sexo o a los excrementos, repugnancia.

En la cultura occidental siempre se han visto los asuntos relacionados con la sexualidad, los genitales y las secreciones de forma  pudorosa, repulsiva y con vergüenza a la hora de hablar sobre ellos. Son llamados en ocasiones temas tabú. 

A lo largo de toda la historia del arte numerosos artistas, algunos de forma anónima y otros muy conocidos han optado por la temática de lo grotesco, de mostrar aquel lado no tan bello de las cosas. 

Muchas de estas espectaculares formas e imágenes nos pueden recordar a los retratos caricaturescos de Leonardo, seres deformes "inventados" llenos genialidad. Una de las formas de lo cómico es la caricatura, esta idea podría decirse que es moderna y muchos de los artistas sitúan esta categoría estética en los dibujos de Leonardo. 

La caricatura moderna pretende exagerar un aspecto destacado de la persona y volverlo feo hasta incluso la deformidad. En ocasiones como burla o denunciar un defecto moral a través de uno físico. En el mundo de lo caricaturesco por medio de lo cómico se desvalora, se llega a humillar, pero también se llega a enfatizar el carácter de la persona, mostrándola amable y simpática. Mientras algunos artistas nos muestran crueles y despiadadas caricaturas otros realizan retratos de gran penetración psicológica. 

Lo fascinante, increíble, alucinante, indescriptible, amorfo, terrorífico, etc. 

¿Quién dice que no puede encarnar algo de belleza?

Fuentes: ECO, Umberto. Historia de la fealdad. Lumen, Barcelona, 2007.

Une merveille oubliée

¿Por qué volvéis a la memoria mía,tristes recuerdos del placer perdido...? José de Espronceda.

El verdadero arte es ver más allá de las frías piedras. Anónimo.

Llegará un día que nuestros recuerdos serán nuestra riqueza. Paul Géraldy.

Paseando por la antigua Sevilla, de calles estrechas y recónditos lugares, fuera del ajetreo y del bullicio del tráfico, se encuentra el esplendor, el corazón; la verdadera aventura. Dispersos pequeños comercios, casas, muchas de ellas de fachada muy antigua, plazas rodeadas de jardines y algunas librerías repletas de auténticas joyas escondidas entre montañas de polvo. En el interior de todo ello, de toda esta esencia, me topé con esta maravilla olvidada. 

La iglesia de Santa Catalina se encuentra ubicada en calle Alhondiga en una zona cercana al centro de Sevilla. Me impresionó toda su historia y su profunda soledad. Al rodearla pude ser testigo de todo su pasado. 
Encontramos en toda ella elementos mestizos de arte y órdenes, entre los que vemos vestigios de la arquitectura gótica-mudéjar junto a renovaciones y remodelaciones posteriores que tienen lugar durante los siglos XVI al XIX. Fue construida sobre una mezquita anterior, de la que se conserva el alminar, hoy torre campanario y restos arquitectónicos de época almohade en uno de los muros laterales. En el interior, tres naves distribuyen el espacio cubiertas por un artesonado mudéjar. 

Volviendo al exterior, después de dejar atrás la portada principal de estilo gótico procedente de la iglesia de Sta. Lucía, que tras su extinción fue trasladado y reconstruido en esta puerta en 1930. Enmarcada por monumentales arcos apuntados y rematada con rosetón. Nos dirigimos hacia lo que para mí fue lo más considerable y significativo de todo el conjunto externo; el alminar y torre campanario.  

Al alzar la vista me encontré con este prodigio de planta cuadrada, organizado en dos cuerpos, este último rematado con almenas dentadas y campanil o esquina. Decorado de paños de sebka, arcos ciegos, polilobulados insertos en arrabá y alfiz. Junto a ello la forma de disponer los sillares en soga y tizón y la semejanza que tiene con otras torres, se podría decir que la fecha más posible de la mezquita precedente a la iglesia sería entre los siglos IX y X.

En mi fugaz visita solo pude ser testigo de la belleza y el encanto del exterior de Sta. Catalina. Expectante y con muchos deseos  de acceder a su interior me quedé, de poder ver toda su esencia y explendor, pero toda ella se encontraba completamente cerrada y sellada. Encerrada en sí misma. 

Espero Sta. Catalina que pronto puedas salir de tu soledad y enseñarnos a todos tu grandiosa belleza. 

Poder disfrutar de los recuerdos de la vida es vivir dos veces. Marco Valerio Marcial.

Le monde de l'art

"Nunca le pregunten al artista. Aprendan a leer la obra".

Cada día, cientos de personas deciden dejarse caer por los museos de arte, a veces de forma decidida a enfrentarse con la obra e intentar hacer un esfuerzo por entenderla, otras veces de manera casi obligada por amigos o profesores; pasando por delante de cada obra sin mayor detenimiento. En nuestro diálogo con ella podemos llegar a obtener su procedencia, autor y fecha, técnica, estilo, tema y función. Aunque en muy pocas ocasiones sabremos algo acerca de su comprador, de su largo viaje antes de ingresar en dicho museo, de su precio en el mercado y su respectiva crítica. Se nos presenta de este modo un mundo muy desconocido para aquellos ciudadanos corrientes que deciden interesarse por el arte.

"Soy atea, pero creo en el arte. Me ayuda a entender mi modo de vivir".

La autora Sarah Thornton nos introduce en este mundo tan enrevesado y desconocido para muchos de nosotros. Escritora de numerosos artículos sobre el mercado del arte, en este libro nos acerca a los integrantes del mundo del arte. Nos presenta siete relatos, cada uno en ciudades de países distintos, en los que por medio de entrevistas aborda de forma directa y concisa el tema tratado, resolviendo todas las posibles cuestiones. Sarah se desplaza al lugar donde acontecen las distintas entrevistas y junto a ellas nos comenta la vivencia de su estancia. En tan solo siete días nos muestra un recorrido completo, que comienza con  una subasta, seguido de una crit, pasando por una feria y una visita al estudio del artista, para terminar todo ello en la famosa Biennale.

En muy pocas páginas encontramos historias que normalmente pasan desapercibidas y todas las claves para poder llegar a entenderlas. En este libro se plantean cuestiones actuales sobre el campo del arte y sus sectores; sobre los artistas, marchantes, galeristas, curadores, críticos, coleccionistas y subastadores, que son los que hoy día marcan las pautas de lo que llamamos arte.

Finalmente un libro imprescindible para afianzar conocimientos sobre el mundo del arte y sus integrantes. Fácil de manejar. 

Femmes et animaux, créatures sans droits (II): animaux en captivité.

"[...]Nunca debe dar un respingo por nada que vea, ni hablar con otros caballos, ni morder , ni dar coces, ni tener voluntad propia alguna, sino que debe siempre obedecer la voluntad de su amo, aunque esté muy hambriento o cansado". Anna Sewell, Belleza negra.

 “Aquí reposan los restos de una criatura que fue bella sin vanidad, fuerte sin insolencia, valiente sin ferocidad y tuvo todas las virtudes del hombre y ninguno de sus defectos”.
Lord Byron, epitafio para su perro.

  “A los animales, que hemos vuelto nuestros esclavos, no nos gusta considerarlos nuestros iguales.” Charles Darwin.

Fieles, sabios, valientes, simpáticos, dulces, son muchos calificativos que hacen referencia a nuestros acompañantes y buenos amigos, siempre vigentes a lo largo de la historia. Muy presentes en la vida del ser humano y en la historia del arte, como podemos comprobar en la gran producción artística. Los animales, han sido símbolos de vicios y virtudes tanto masculinos como femeninos. Esta iconografía animal se encontraba  recogida en los llamados Libros de Emblemas o Fabularios, en ellos a cada animal se le designa una forma de representación y sus correspondientes atributos que le denominan. El perro suele representarse como símbolo de fidelidad a su amo, de guardián o vigilante de los lugares sagrados, o en otras ocasiones encarna, dentro de los siete pecados capitales, la envidia, ya que según los naturalistas, lo quería todo para si, sobre todo cuando se trataba de comida.

Durante este periodo victoriano las obras de la autora Rosa Bonheur fueron muy aclamadas y populares cuya temática  estaba dedicada por completo al mundo animal. El fervor por los animales en Inglaterra fue muy destacado. Las "mascotitas" así llamadas por la reina Victoria constituían un referente de valores y virtudes femeninas. Se equiparaba la domesticidad del animal con la feminidad domesticada; la mujer dócil como un animalito manso que atiende a las normas dictadas por sus dominantes. Enjauladas como un pajarito; buenas, fieles y obedientes como un perrito y trabajadoras y laboriosas como un burrito.

Pero Rosa Bonheur quería establecer una nueva forma de ver al animal y a la mujer; quería dotar de libertad a ambos y expresar sentimientos de voluntad e independencia. 

Sus obras fueron alabadas por una amplio público, incluso por la reina. El tema de sus obras llevaron a diversos planteamientos sobre la vida y  los derechos de los animales, al igual que sobre sus abusos, como era el caso de la vivisección. 

De esta forma se empezaron a crear frentes y grupos feneminos que alzaban su voz a favor de la defensa de los animales. A la vez que estas mujeres luchaban por mejorar la calidad de los más indefensos, también estaban combatiendo por algo más, como eran sus propios derechos. 

En diversos campos, como era la ciencia médica, muchas de las técnicas y procedimientos que se empleaban con animales eran utilizadas también en mujeres, como podemos ver en los casos de la práctica ginecológica. Auténticos horrores que nos apunta la doctora Elizabeth Blackwell, a la hora de realizar castraciones y operaciones. Esto es otro incentivo que nos explica cómo las mujeres llegaban a identificarse hasta tal punto con sus semejantes animales. 

Junto a estos movimientos hubo otro fenómeno que rompió con aquellos prejuicios a la hora de reconocer los derechos de los animales. La novela llamada Belleza negra (Black Beauty), 1877, de Anna Sewell nos muestra en primera persona la vida de un caballo, cuenta su día tras día, su trabajo y la obligación que poco a poco sus amos les irá dictando. Nos habla de cómo se encuentra a merced de sus dueños, no tiene derecho a hacer nada por sí mismo, es propiedad de otros, su vida está a cuenta de quien disponga. 


Fue muy popular e impactante, aclamada y criticada, pero lo que sí podremos decir es que gracias a mujeres como Anna Sewell, Rosa Bohneur, entre otras muchas, al igual que los distintos grupos en defensa de los animales, se comenzó un debate por dotar de dignidad y derechos a aquellos callados y olvidados: nuestros compañeros. 
Después de todo "la cuestión de los derechos de los animales era en realidad una cuestión de derechos humanos". 




Fuentes:  CHADWICK, W., Mujer, arte y sociedad. Barcelona, Destino, 1992. SEWELL, A., Belleza negra. Cuba, Gente Nueva, 2012.
Para saber más del tema, conocer otros autores, y poder comentar y compartr conocimiento os dejo esta página: https://www.facebook.com/pages/%C3%80-coeur-ouvert/567176060004147

Femmes et animaux, créatures sans droits (I): maîtresse de maison.

"Las mujeres son hechas para estar en casa, no para andar vagando. Sus gustos han de ser los de sus maridos, participados, no propios. El llevarlas a las fiestas mueve tal vez al que las ve, si son feas, a desprecios; si hermosas, a concupiscencia". Quevedo. 

"El arte es ajeno al espíritu de las mujeres pues esas cosas sólo pueden realizarse con mucho talento, cualidad casi siempre rara en ellas". Boccaccio. 

"El poder de la mujer es para gobernar, no para combatir, y su dulce intelecto no está dotado para la invención ni la creación, sino para la grata ordenación, organización y disposición [...].Ésa es la verdadera naturaleza del hogar: es la sede de la Paz, y el refugio, no sólo contra cualquier tipo de agresión, sino contra todo terror, duda o división". Anónimo. 

Mujeres, derechos y poder en la sociedad victoriana no eran especialmente compatibles, de hecho hasta hace relativamente poco, derechos y poder eran palabras que no se llegaban a encontrar del todo en la condición de una mujer. 
Como ya bien conocemos el papel de la mujer a lo largo de la historia por medio del hombre, yo quiero darle otro punto de vista, otra mirada; contada por ellas mismas.

"Las mujeres viven como murciélagos o lechuzas; trabajan como bestias; y mueren como gusanos" Margaret Cavendish, duquesa de Newcastle. 

 

La casa era su lugar, su espacio, estaba destinada a ella y debía darse completamente en cuerpo y alma a ella. Durante el siglo XIX se llevó a cabo una reforma con la finalidad de la emancipación de la mujer pero ante esto, tanto la iglesia como diversas disciplinas científicas abogaban por derrocar este principio señalando el papel sumiso y recatado de la mujer. Estaba a merced y dependencia total de su esposo, incluso antes de llegar al matrimonio estaba supeditada a su familia o a su hermano o al familiar más cercano, principalmente varón. 

Encerrada en un mundo de lo privado, en el hogar la mujer tenía diversos cometidos como "ama de la casa" entre los que se encontraban: tener la casa ordenada, limpia a disposición de su esposo; debía de atender tanto el cuidado de los niños como de su aprendizaje, si no contaba con una institutriz y entre otras obligaciones, controlar el servicio, a los sirvientes y criados que trabajaban durante horas en el cuidado de la casa, para que estos tuviesen una buena conducta, laboriosidad y limpieza.

Bajo toda esta relegación, la mujer no permanecía impasible, ha habido muchas a lo largo de los siglos que han querido ver más allá de las paredes que la rodeaban y de las normas impuestas. Tal es el caso de las autoras Hildegarda de Bingen, Cristina de Pisan, Anna Sewell y pintoras como Sofonisba Anguissola, Artemisia Gentileschi, Emily Mary Osborn, Vigée-Lebrun, Rosa Bonheur, etc. 

Todas ellas desafiaron su condición de obedientes y sumisas, adoptando un papel que no les era de su naturaleza. Por ello fueron castigadas, despreciadas y minusvaloradas. Durante este periodo victoriano se tenía la creencia de que pasar mucho rato estudiando o leyendo disminuía la feminidad de la mujer, al igual que contemplar modelos desnudos en pintura llevaba a la excitación y exaltación de las pasiones. Incluso se llegaba a dudar de si la mujer realmente tenía capacidad para aprender y opinar o si podría llegar ha realizar una gran obra de arte equiparable a la realizada por un varón con conocimientos.

"El nombre de una mujer pintora hace que las personas tengan dudas hasta que han visto la obra" Artemisia Gentileschi.

Su castidad y delicada virginidad eran virtudes que no podían perder, el ideal de feminidad victoriana considerada estos valores como los propios de la mujer, por lo que si en algún momento eran violados, eran estigmatizadas y consideradas mujeres descarriadas; muchas de estas mujeres señaladas eran simples trabajadoras, inmigrantes, pintoras, radicales sociales o solteras, que rompían con la moral establecida y la ideología del momento. 

Querían llegar a ser algo más de lo que su condición les indicaba, dejar de ser invisibles. Demostrar que ellas también podrían ser artistas, escritoras, trabajadoras y dueñas de su vida.  

"Os aseguro que alguien se acordará de nosotras en el futuro" Safo de Lesbos.

Fuentes: CHADWICK, W., Mujer, arte y sociedad. Barcelona, Destino, 1992. CASO, A., Las olvidadas. Barcelona, Planeta, 2008.