martes, 31 de diciembre de 2013

Une vie en couleur

"Yo solía pensar que era la persona más extraña en el mundo, pero luego pensé, hay mucha gente así en el mundo, tiene que haber alguien como yo, que se sienta bizarra y dañada de la misma forma en que yo me siento. Me la imagino, e imagino que ella también debe estar por ahí pensando en mí. Bueno, yo espero que si tú estás por ahí y lees esto sepas que, sí, es verdad, yo estoy aquí, soy tan extraña como tú."

"Pies, ¿para qué los quiero si tengo alas para volar?"
Frida, Friducha como Diego la llamaba, nunca dejará de sorprenderme. Antes de terminar este complejo año 2013, me gustaría hablar de esta gran artista. ¿Por qué Frida? Por que quizás este año ha sido cuando más nos hemos encontrado y compartido. Mi año 2013 ha sido de búsqueda, de ilusión y de mucho trabajo en el que siempre el arte de Kahlo ha tomado parte. 

Desde siempre me ha impresionado todo su trabajo y dedicación. Su mundo interior que plasmaba con gran pasión. El arte fue su vehículo para adentrarse a mundos a los cuales no podía acceder, fue su medio para mostrar todo su dolor y superación. Es un reflejo de toda una vida de lucha y amor por todo lo que hacía. 


Frida tuvo una vida intensa, desde muy pequeña destacaba su creatividad e ingenio y su predilección por la cultura precolombina, como vemos en su obra Mi nana y yo. Su salud se resintió a muy temprana edad con problemas de poliomielitis de ello heredó el respectivo mote de "Frida la coja". 

Pero más tarde fue cuando su presente y futuro dieron un giro brusco y doloroso. El autobús, ese día y todo su mundo vivido ya no sería igual. Aquel accidente le acompañaría siempre, tenía que vivir con este dolor y tormento toda la vida. Pero Frida supo afrontarlo con coraje y fuerza. Aprendió a convivir con ello y a disfrutar de lo que la vida le iba ofreciendo. 
Durante el tiempo que pasaba en la cama, se las arregló para seguir pintando tanto oleos como su propio corsé de escayola.                               

Apasionada de la cultura mexicana, del arte popular y la cultura precolombina, como nos muestra en casi toda su producción, ya que las primeras obras aun se encuentran muy influenciadas del arte academicista. Junto a los muralistas mexicanos, Frida quería dotar su obra de un sentimiento nacionalista mexicano, compartía con ellos el mensaje revolucionario de lucha y compromiso social. 

En lo inestable y complicado Frida supo buscar la fortaleza y combatió luchando por conseguir todo aquello que soñaba. El arte le enseñó a tener alas y con ellas sus obras pudieron volar por todo el mundo, como hoy lo siguen haciendo. 

“Amurallar el propio sufrimiento es arriesgarte a que te devore desde el interior.”
“Espero alegre la salida y espero no volver jamás.”

Fuente: KETTENMANN, Andrea, Kahlo. Taschen, Madrid, 2007.

jueves, 19 de diciembre de 2013

La sensibilité des yeux, Tina Modotti

"Hoy no me puedo dar siquiera el lujo de mis penas... sé muy bien que ésta no es hora para lágrimas; esperan de nosotros lo más grande y no debemos aflojar... ni parar a mitad del camino... el descanso es imposible... ni nuestras conciencias ni el recuerdo de las victimas muertas nos lo permitirían" Tina Modotti, carta a Weston. 
“Tina Modotti, hermana, no duermes, no, no duermes; tal vez tu corazón oye crecer la rosade ayer, la última rosa de ayer, la nueva rosa”. Pablo Neruda.
Modotti junto a Weston se pusieron en camino hacia la ciudad de México dejando atrás muchas desilusiones, sueños y una carrera, por parte de Tina como actriz, que muy pronto fueron reemplazándose por otros, como fue la fotografía. 

Con la palabra de Weston de que la adentraría en el mundo de la fotografía, Tina comenzará su pasión por dicho arte. Weston a cambio la tomará como modelo. 
La vida de Tina en México fue intensa pero breve, desde el primer momento se encontró muy agusto, al poco ya conocía a varios artistas revolucionarios como fueron Frida Kahlo, Diego Rivera, Alfaro Siqueiros, entre otros muchos. Con ellos creará una relación muy estrecha y compartirá tanto una labor artística como política. 
En sus primeros trabajos con Weston como "tutor" aun no veremos el alma de Tina, ya que todavía se encuentra muy impregnada de la huella de Weston. Junto al trabajo en el laboratorio y haciendo de modelo, llevará acabo una labor activista en la política colaborando con el periódico creado por los muralistas llamado El Machete, su trabajo fue traducir del inglés y del italiano artículos antifascistas. 
Durante 1926 expondrá junto a Weston y algunos de los muralistas, en este año también tiene lugar la partida definitiva de Weston a Los Ángeles, donde en su ausencia Tina desarrollará una actividad artística en solitario como fotógrafa y junto a ello será contratada por los muralistas para documentar todo el proceso creativo. Poco a poco se irá alejando de la estética influida por Weston para encontrar la suya propia tanto a nivel temático como formal. 

Tina se adentrará en los lugares más sencillos de México, viajará por sus calles una y otra vez con su cámara, atenta, con los ojos bien abiertos para captar la verdadera esencia de la ciudad. Durante su estancia fue severamente juzgada por aquellos que bajo un pensamiento conservador no entendían su comportamiento, ni lo veían correcto; para entonces una mujer no salía más tarde de las ocho, ni compartía un lugar público con sólo hombres, ni tampoco posaba como modelo totalmente desnuda. 




En sus fotografías, a parte del valor estético (belleza), del esquema compositivo, del motivo simbólico, alegórico e ideológico que incluye en muchas de sus obras, nos encontramos ante una nueva mirada, cercana al fotoperiodismo. Tina, quiere hacernos partícipes de todo lo que contempla, la realidad tal y como es. Hace de su fotografía un compromiso social. El protagonista es el pueblo más humilde, que vive en la miseria y en la injusticia social. 

Tan segura estaba de poder llegar a construir un nuevo modelo social , que en 1927 se afilió al Partido Comunista Mexicano, donde entre otras cosas, estaba de acuerdo con combatir la política expansionista norteamericana. Durante este tiempo convivirán tanto una labor política como una artística, de hecho no son dos realidades separadas, sino que van a estar unidas en toda su trayectoria.

Tina revolucionó la fotografía mexicana. Le importaba contextualizar lo fotografiado dentro de un ambiente humano, social y realista. Imprime en cada obra una sensibilidad y una pasión por todo aquello que inmortaliza, teniendo como resultado la vivencia de una realidad tangible, que nos llama a la empatía y a conocer la verdadera alma de México.  
"Son los tuyos, hermana: los que hoy te dicen tu nombre,
los que de todas partes, del agua, de la tierra,

con tu nombre otros nombres callamos y decimos,

porque el Fuego no muere." Pablo Neruda.

Fuente: FIGARELLA, Mariana, Edward Weston y Tina Modotti en México. Universidad Nacional Autónoma de México, México, 2002.

domingo, 15 de diciembre de 2013

Joseph Beuys, l'art comme la vie

“Cada hombre es un artista. En cada hombre existe una facultad creadora virtual. Esto no quiere decir que cada hombre sea un pintor o un escultor, sino que existe una creatividad latente en todas las esferas del trabajo humano”
Para Beuys, procedente de un entorno católico practicante, interesado por la poesía y las ciencias naturales, que combatió en la II Guerra Mundial en la Aviación, todo cambió tras su caída en Crimea, donde nos cuenta que le acogieron y cuidaron unos tártaros nómadas y que con sus ritos de curación le ayudaron a sobrevivir. Este tipo de medicina curativa no era convencional, era primitiva ritual, algo ya perdido en el desarrollo de la civilización. 

Tras estudiar arte en la Academia Nacional de Düsseldorf en 1961 le ofrecieron un puesto como profesor de escultura en la misma academia. En sus clases Beuys se opondrá totalmente a la figura tradicional y estricta del profesor y va a entablar una relación más estrecha y directa con los estudiantes, donde unos aprendan de los otros. Pero su actividad no se quedará sólo en ser profesor, sino que trabajará en exposiciones y acciones, relacionándose con artistas del momento. Propone una universidad libre, donde quien lo desee pueda aprender y donde se atiendan a las necesidades demandadas por los alumnos. Por todo ello y su relación con el profesorado y la administración, fue expulsado en 1972.

Beuys no entiende una forma de arte separada o apartada de su contexto, por eso toda su producción va a estar integrada en su vida. La política establecerá una relación muy estrecha con el arte y en las acciones de Beuys. Mientras llevaba a cabo una labor activista en la política y accionista en el arte, crea su perseguida Universidad Libre, donde podrá llevar a cabo todo aquello que proponía. 

Podemos considerar a Beuys como un escultor social, un activista interesado tanto en el arte como en la política. Quería dar un giro a la forma de entender el arte y de producirlo. El arte va más allá de lo que siempre a abarcado; rompe fronteras y llega a todos los sectores de la vida. 

“A mi juicio, el arte ha llegado a un término, toca a su fin y ahora comienza un periodo en que asoma la necesidad de un arte social”.

De esta forma nos propone que nosotros mismos seamos la revolución (La Rivoluzione Siamo Noi), que el arte nos llame y revolucione nuestro modo de vivir, ya que como él comenta, el arte no se puede quedar acotado en el espacio cerrado del museo, sino que debe de transformar nuestra percepción y al hacerlo cambiar el mundo en el que vivimos. Por lo que toda su obra no se puede desligar de su vida cotidiana.

Beuys nos hace ver cómo el arte nos enseña a pensar, nos ayuda a salir de la alienación a la que estamos sometidos, nos hace ser libres, ser críticos con la sociedad y la política. 
“La cuestión es la capacidad de cada uno en su lugar de trabajo para convertirse en una fuerza creativa y reconocerla como un deber artístico a cumplir”.

Fuente: BOZAL, Valeriano, Modernos y postmodernos. Historia 16, Madrid, 1989.

domingo, 8 de diciembre de 2013

Puagh! sacré bleu!






















"[...]¡Oh fealdad santa, amiga de castidad, desdeñadora de escándalos, defensora contra los peligros!" Ortensio Lando, Mejor feo que bello.       

"Pero yo, que no he sido formado para estos traviesos deportes ni para cortejar a un amoroso espejo...; yo, groseramente construido y sin la majestuosa gentileza para pavonearme ante una ninfa de libertina desenvoltura: yo, privado de esta bella proporción, desprovisto de todo encanto por la pérfida naturaleza; deforme, sin acabar, enviado antes de tiempo a este latente mundo; terminado a  medias, y eso tan imperfectamente y fuera de la moda [...]" W. Shakespeare, Ricardo III, I.
"¡Oh, encanto de una nada locamente emperifollada!" Baudelaire.
Lo feo, lo desagradable, lo obsceno, lo grotesco, lo caricaturesco, etc. son categorías estéticas que a lo largo de los siglos se han ido conformando; algunas de ellas ya las podíamos encontrar en los dibujos de Leonardo da Vinci o incluso mucho antes, en el mundo clásico en los distintos frescos procedentes de Pompeya, en la decoraciones de los vasos griegos, como también en las diferentes máscaras y estatuas de bronce. Uno de los ejemplos más representativos lo encontramos en el dios Príapo, al cual se le representa con el falo erecto. 


Muchas estas categorías nos pueden conducir a lo cómico y producirnos risa, en otras ocasiones desagrado, y si es algo referente al sexo o a los excrementos, repugnancia.
En la cultura occidental siempre se han visto los asuntos relacionados con la sexualidad, los genitales y las secreciones de forma  pudorosa, repulsiva y con vergüenza a la hora de hablar sobre ellos. Son llamados en ocasiones temas tabú. 

A lo largo de toda la historia del arte numerosos artistas, algunos de forma anónima y otros muy conocidos han optado por la temática de lo grotesco, de mostrar aquel lado no tan bello de las cosas. 


Muchas de estas espectaculares formas e imágenes nos pueden recordar a los retratos caricaturescos de Leonardo, seres deformes "inventados" llenos genialidad. Una de las formas de lo cómico es la caricatura, esta idea podría decirse que es moderna y muchos de los artistas sitúan esta categoría estética en los dibujos de Leonardo. 

La caricatura moderna pretende exagerar un aspecto destacado de la persona y volverlo feo hasta incluso la deformidad. En ocasiones como burla o denunciar un defecto moral a través de uno físico. En el mundo de lo caricaturesco por medio de lo cómico se desvalora, se llega a humillar, pero también se llega a enfatizar el carácter de la persona, mostrándola amable y simpática. Mientras algunos artistas nos muestran crueles y despiadadas caricaturas otros realizan retratos de gran penetración psicológica. 

















Lo fascinante, increíble, alucinante, indescriptible, amorfo, terrorífico, etc. 
¿Quién dice que no puede encarnar algo de belleza?

Fuentes: ECO, Umberto. Historia de la fealdad. Lumen, Barcelona, 2007.