Un peu d' art contemporary (I)

ARTISTAS CONTEMPORÁNEOS

Hace unos meses que asisto a un curso llevado a cabo por La Térmica sobre ocho artistas contemporáneos, desde noviembre hasta junio, cada mes conocemos un artista, cada uno de diferente campo y presentado por una persona experta en el tema. 

Desde un primer momento me sentí totalmente atraída por este curso, ya que lo que conozco de arte contemporáneo no abarca a tan diversos campos artísticos ni de tanta actualidad. 

Artistas tales como Damien Hirst, Ai WeiWei, John Baldessari, Cindy Sherman o Banksy entre otros, son los que componen este curso y de los que pretendo hablar y comentar en diferentes post para que conozcamos un poco más de todos ellos.

Comenzamos...

Sesión 1. DAMIEN HIRTS

Sabemos mucho acerca del artista Damien Hirst pero sobre todo que es un entregado desmesuradamente al llamado capitalismo, es un comprometido con el mismo, siendo su más ferviente admirador. Su arte convertido en fetiche del mercado, estático e inserto en espacios donde el escepticismo y la asepsia los envuelve.

Dentro  de los años ochenta fue uno de los más destacados artistas jóvenes británicos que con sus provocadoras e impactantes obras en poco tiempo se convirtió en una estrella de la crítica en los medios de comunicación. Revalorizando el readymade y llevándolo más allá que artistas tales como Jeff Koons, Hirst lleva la obra al límite donde lo kitsch desaparece y en cambio la ironía, lo grotesco y la provocación son los que dominan el objeto. 

En sus trabajos se crea una línea muy fina entre el objeto inanimado y el ser vivo, Hirst se adentra en lo escabroso del mercado por conseguir comercializar y convertirlo todo en simples beneficios, sus animales son producto transformados en una mercancía de lujo expuesta. 

El arte de Hirst nos produce terror, repulsión, rechazo y nauseas, mezclado con una sensación de inquietud y fascinación por todo aquello que nos muestra. Sus obras intimidan la sensibilidad del público como también la idea romántica de lo que consideramos arte, aluden al ser monstruoso y monumental de una forma irónica que se encuentra cercano a lo sublime. 

Vemos como en la obra artística se implanta un nuevo orden que ya Walter Benjamin avecinaba; el “aura” perdida será devuelta por el mundo del mercando convertida en un “falso hechizo” en algo implantado por su valor económico más que por el artístico. Es una falsa “aura” ya que se hace pasar por ella y en el valor de consumo se convierte en el ganador frente a otros valores propios de una obra. Así y de una forma desgarradora el arte se convierte en el gran negocio.

Tanto al hablar de sus animales despedazados colocados en vitrinas, como el llamativo tiburón llamado La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo, valorado en diez millones de dólares, sus pinturas gigantes o butterflies; como de su famosa calavera repleta de diamantes conocida como Por el amor de Dios, nuestra pregunta puede ser repetida en más de una ocasión ¿Realmente esto puede ser considerado como arte? Pero para esta pregunta no existe una respuesta clave, no está en nuestra mano juzgar el arte, porque el arte ya lo hace por sí mismo.

L´art vivant... Le Fluxus

"Son las cosas que no conocéis las que cambiaran nuestra vida" Wolf Vostell

Ver, oír, sentir...Fluxus.

Dentro del gran campo que constituye el llamado arte de acción tenemos casi el último movimiento de vanguardia del siglo XX, desarrollado durante los años sesenta y setenta, conocido como Fluxus. Este ha sido considerado como una rama del happening, aunque se encuentra más ligado a otro tipo de manifestaciones como la música, la literatura, el teatro, las artes plásticas, etc.

Creado por George Maciunas en 1962, acoge a muy diversos tipos de artistas que en muchas ocasiones trabajan en otros campos artísticos, y más de uno fue pionero en la utilización de nuevas tecnologías como fueron la televisión y los aparatos de vídeo, aun muy poco conocidos y muy poco empleados en el terreno artístico. Este interés por trabajar e incluir dentro del arte elementos del mundo de la tecnología dio lugar a que poco a poco se fuese creando una fusión entre ambas, el vídeo arte o las vídeo instalaciones, fueron el producto de dicha unión. 

“El futuro es ahora” Nam June Paik

Se trata de acciones más simples que las que se desarrollaban en muchos de los happenings, considerado un movimiento Neodadaísta ya que muchos de los planteamientos de Dadá quedan recogidos en gran parte de sus discursos, como el interés por darle un giro y romper con los esquemas establecidos en el arte, así, pretende la interdisciplinariedad entre los distintos campos artísticos. Otra cuestión que está implícita en este movimiento tan heterogéneo es su carácter anti-arte que como bien nos menciona Simón Marchán "[...] se trata menos de una supresión del arte que de una ampliación del mismo" y esto es porque no pretende derrotar el arte, sino romper las barreras invisibles e impuestas que siempre han separado el arte de otras manifestaciones artísticas como también de otros campos como puede ser la tecnología y la ciencia. Para ello toma las ideas de Duchamp transformando lo no artístico en artístico, así rompiendo con el concepto tradicional de arte y poniendo en duda todo el discurso que ello conlleva. 

El Fluxus como su nombre indica significa flujo, secreción, haciendo referencia al fluir momentáneo de las cosas, sin mucha complejidad y dificultad. Es un continuo movimiento de libertad, ideas y obras. Se compone de actos muy espontáneos con un alto grado de improvisación y simplicidad, como podría ser romper un objeto, sentarse en una silla o tocar un instrumento. Se compone de acciones cotidianas pero llevadas a cabo desde una perspectiva muy distinta, de esta forma quiere romper con la idea del arte como mercancía, está en contra del objeto artístico tradicional y de las instituciones profesionales del arte.   

"Fluxus-arte-diversión debe ser simple, entretenido y sin pretensiones, tratar temas triviales, sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional". George Maciunas.

Quizás aun teniendo esta simpleza no deja de ser impactante, aunque no invita tanto al espectador a participar de ese acontecimiento como podría pasar en el happening, en este caso no llega a existir una clara igualdad entre artista y espectador, sino que es muchas veces el espectador quien tiene amoldarse y doblegarse al continuo fluir de la obra. Es el espectador el que se acopla a participar de dicha acción. 

Como ya hemos comentado, muchos de los integrantes de este movimiento procedían de la vanguardia musical y literaria. Entre otros tenemos al compositor John Cage que muy influenciado por el budismo zen, llevó a cabo el descubrimiento de un nuevo fenómeno hasta entonces era poco empleado en música como fue el silencio. Llevando a cabo la obra desde una plena libertad, Cage comprobó que el silencio absoluto no existía. En su obra más famosa como es 4´33" podemos ver tres movimientos en los que el silencio es el integrante principal en su obra. En este mis año, Cage realizó diversas instalaciones en programas de televisión, una de ellas fue Water Music, que con muy diversos y dispares objetos creaba distintos sonidos jugando con cada uno de ellos marcando el tiempo con un reloj. 

Otra figura en este caso femenina fue Charlotte Moorman que destacó por sus extraordinarias dotes con el violín y que colaboró en varias piezas con Cage y Nam June Paik. En sus acciones revolucionó el campo de la música clásica conjugando distintos elementos del mundo de la tecnología como incluso del propio cuerpo humano, una nueva forma de crear música. Muchas de sus obras rozaron la polémica como fue el caso de Opera Sextronique en 1967.

Junto a ella tenemos a la conocida Yoko Ono, que aparte de ser famosa por la relación que mantuvo con el Beatles se le conoce también por su gran aportación al campo del arte y de la música. Su inquieta ambición por ampliar e innovar su campo de estudio la llevó a la escena del Fluxus. En sus acciones vemos un carácter tanto activista en su defensa por la paz y la no violencia y también la creación de nuevos lenguajes en los que poder defender dichas ideas. Una de las acciones más impactantes e impresionantes fue "A Hole", donde el espectador se posiciona delante de su propia muerte.

 “Con ella quiero advertir de la violencia que hay en todo el mundo” Yoko Ono

Uno de los integrantes que innovó e incorporó las nuevas tecnologías al campo del Fluxus fue Nam June Paik, que junto a su faceta de compositor también se le conoce por sus rompedoras y revolucionarias acciones, como también por su interés por el mundo de los medios de comunicación y de la publicidad. Fue un precursor del vídeo arte y de las vídeo instalaciones. En muchas de sus acciones vemos como juega con distintos elementos de los medios de masas como la televisión, la radio y de la tecnología como los circuitos de luces y el uso del láser, creando con todo ello una nueva forma de escultura en continuo cambio y fugacidad. Así Paik entendía que todo algún día estaría interconectado por la comunicación electrónica que llamó super highway.

Dentro del Fluxus se conocen a numerosos artistas, yo he querido centrarme en estos cuatro, pero no quiere decir con ello que sean los más importantes o que su trabajo haya tenido mayor repercusión. Entre otros integrantes se encuentran Wolf Vostell, Allan Kaprow, Robert Filliou, George Brecht, Carolee Schneemann y Joseph Beuys, este último con su aportación en los medios de comunicación con la acción que llevó a cabo sobre "TV de fieltro".

"La vida puede ser arte y el arte puede ser vida" Wolf Vostell

Para poder apreciar y conocer este campo artístico es indispensable no sólo quedarnos con las imágenes sino también explorar por medio del oído las distintas acciones que muchos llevaron a cabo. Aquí os dejo un enlace donde reúne mucha de ellas y mi página en Facebook donde comento y subo diversas cosas sobre el tema. 

http://www.ubu.com/film/fluxfilm.html

https://www.facebook.com/pages/%C3%80-coeur-ouvert/567176060004147

Fuentes: MARCHÁN FIZ, S., Del arte objetual al arte de concepto. Madrid, Akal, 2012. ESTELLA NORIEGA, Iñaki, Fluxus. Nerea, Madrid, 2003. VV. AA., Arte del siglo XX. Taschen, Barcelona, 2005.

La vérité incommode. El Roto.

"¡Qué bien vivimos! ... Si es que a esto se le puede llamar vida..." El Roto.

"¡Si todo se supiese, ardería el mundo!" El Roto. 

Paseando por las salas del CAC (Centro de Arte Contemporáneo) me encontraba, ya por tercera vez, pero la sensación era como si de la primera vez se tratase. El silencio era estremecedor, solo unos pocos pasos se oían y los ruidos de la gente que hacía fotos; entre tanto alguna carcajada o un gesto de decepción. Mientras iba pasando de una viñeta a otra me fijé en la reacción de más de uno, algún rostro entristecido, una sonrisa de medio lado; pude comprobar también como alguien pasaba de largo al fijarse en una de las viñetas, casi huyendo de ella. 

Pero lo que más me impresionó fue aquella conexión, aquel encuentro, del espectador al enfrentarse cara a cara a una de ellas. Ese instante en el que el arte interactúa, conecta contigo y hace que tu realidad cambie. Para mí fue una experiencia tanto satisfactoria como incómoda, porque te muestra imágenes que a veces obvias, preguntas directas y reflexiones que a lo largo de la semana se escapan de tu mente. Pude echarle un buen vistazo a casi todas, pero sobre todo las que más me impactaron fueron las referentes a la ecología y a la naturaleza, en las que no pude dejar de preguntarme "¿qué pensaría Thoreau de todo ello?"

También las viñetas sobre política y temas polémicos actuales. Cansada como muchos de escuchar siempre las noticias por los mismos medios y los mismos hablando de la misma verborrea. De forma tan directa, sin andar con rodeos, El Roto nos muestra la actualidad, a veces cargada de ironía y sarcasmo, pero diciendo "verdades como puños". 

Una de las que más me impresionó y que no me esperaba encontrar fue la viñeta referente a lo que ocurrió en la plaza de Tiananmen. Me quedé impactada al verla, hace relativamente poco había estado leyendo y escribiendo sobre ello pero de una perspectiva muy diferente, como algo lejano, algo perteneciente al pasado y como un recuerdo de la valentía del pueblo chino. Ahora, en ese instante, me sentí dentro de la plaza, era a mí a quien estaba interpelando a que esa escena, ese momento no era ya lejano, sino que formaba parte del presente y debía enfrentarme a él. 

Sin duda el arte tiene multitud de puntos de vista y millones de reacciones, la mía fue esta, un desafío. En esta pequeña pincelada casi, por no decir totalmente subjetiva sobre la exposición de El Roto pretendía contar y relatar mi experiencia. Creo que a veces no es tan necesaria una explicación cargada de información fría, apática y árida sobre el autor y su obra, como las sensaciones, las reflexiones y la propia visión del que la contempla; al fin y al cabo la reacción de este último es quien completa la obra. 

"Soy un dibujante contenido. Busco decir las cosas que deben ser dichas, no para hacer una exhibición de empatía sino para que sea útil lo que digo y no hiriente". El Roto.

Les six sens: le corp et la nature

"El arte es el hombre añadido a la naturaleza." Van Gogh.

"Toda la naturaleza es como un arte desconocido del hombre" Alexander Pope.

Entre tanta búsqueda entre libros y papeles, me topé hace unos días con algunas notas sobre el libro tan conocido de Shakespeare, Hamlet, en las que hacía mención a Ofelia y lo ponía en relación con el trabajo que hace ya tiempo llevó a cabo la artista Rocío Verdejo llamado Quietud. En este proyecto nos mostraba a una Ofelia actual sumergida, estática y entregada totalmente al sueño eterno. Directamente dejé las notas y me fui a por el catálogo de su exposición, en un instante toda esa sensación de impotencia, ingravidez, somnolencia y paz me invadió de nuevo. Una tranquilidad agridulce en cada uno de los rostros flotantes. Estas distintas Ofelias se dejan llevar por el trascurrir del momento, sus cuerpos no respondían, permanecían inmóviles al servicio de la gravidez del fluir del agua. Cuerpo y naturaleza conviven. 

Este intenso contacto de cuerpo y naturaleza lo he podido encontrar además de una forma tan sensitiva y poética en el trabajo de la artista nicaragüense Giovannina Sequeira, interesada también en el tratamiento del cuerpo en el espacio natural, en el comportamiento del agua y del medio con la presencia humana. En sus diversas acciones, muchas  de ellas llevadas a cabo junto al trabajo de la fotógrafa Irene Cruz, la intimidad entre cuerpo y espacio natural es muy aguda, donde la piel es el medio para que la naturaleza emerja por ella, la recorra y se unan siendo una única cosa.

La percepción es tan fuerte que nuestros sentimientos se encuentran "a flor de piel", volvemos a percibir la viveza, la fuerza que el espacio natural nos transmite, es casi una mirada a nuestro origen, a nuestra fase más primaria de contacto directo con todo aquello que nos rodea. 

Ambas, cada una desde un tratamiento distinto nos proponen despertar nuestros sentidos y agudizarlos. El cuerpo femenino será una constante en el trabajo de las dos artistas, podríamos pensar que esta relación del cuerpo femenino nos alude a todas y cada unas de las connotaciones simbólicas referentes a la fecundidad y la fertilidad de la tierra; ambas como "madres engendradoras".

Esta visión es una nueva forma de relación con el medio natural, desde una perspectiva distinta en la que nos encontremos en armonía, en consonancia con el hábitat. Nos enfrentemos solos, en una relación de igualdad y de perfecta conexión.  

"El universo no está hecho de cosas sino de redes de energía vibratoria, emergiendo de algo todavía más profundo y sutil". W. Heisenberg

Fuentes: http://www.irenecruz.com   http://www.giovanninasequeira.com  http://www.rocioverdejo.es

Art et propagande: "La déesse de la Démocratie"

"Hablar de la democracia y callar al pueblo es una farsa. Hablar de humanismo y negar a los hombres es una mentira". Ovidio.

"Si se hubiera de definir la democracia podría hacerse diciendo que es la sociedad en la cual no sólo es permitido, sino exigido, el ser persona". María Zambrano.

Durante todo este siglo XX, lleno de guerras, conquistas y tremendas masacres, la palabra «propaganda» ha ido poco a poco perdiendo su sentido original, el cual derivaba del verbo latino propagare y significa ‘multiplicar’, ‘difundir’ y ‘diseminar’; hasta finalmente adquirir un significado peyorativo. En el periodo entre guerras el uso del término "propaganda" fue utilizado a favor de obtener una opinión pública favorable, para ello el poder se sirvió de los medios de comunicación y masas, del cine, la censura, la manipulación, etc. para lograr tal fin.  

Tras las consecuencias de esta etapa, dicha expresión fue evitada y eludida por las nocivas connotaciones que había obtenido y se optó por usar otros términos similares que llevasen a cabo el mismo fin. Mientras unos países utilizaban eufemismos tales como "servicios de información", otros como la Unión Soviética o la Alemania Nazi por su carácter de autoritarismo, se les atribuyó la palabra «propaganda».  

«Para algunos "Arte de propaganda" es una contradicción de términos» Toby Clark. 

Contiguo a la llamada «propaganda» se encuentra ligado otro término que por su condición estética nos puede parecer totalmente contradictorio, como es el Arte. «Arte de propaganda» nos puede sonar bastante familiar, en la actualidad nos referirnos a toda aquella publicidad y obras artísticas realizadas en beneficio del estado o de otro grupo de dominio. Muchas veces también conocido como arte al servicio del poder. 
A lo largo de la historia el arte, la producción artística ha estado al servicio  y propaganda del poder dominante. Desde Egipto y Roma, para demostrar el poder y glorificar las victorias se erigían suntuosas y monumentales edificaciones. Como también durante la Edad Media, el arte servia al poder eclesiástico en la construcción y diseño del programa iconográfico para la realización de las grandes iglesias. Durante el Renacimiento y Barroco ocurría de igual modo con la particularidad de que el trabajo del artista era reconocido. Fue en el siglo XIX cuando el arte quiere desligarse totalmente de la presión y el mandato del poder para ser libre e independiente. 

Y es que nos puede parecer muy contradictorio unir el arte con la política. Al producirse esta unión podríamos preguntarnos ¿siguen ambas conservando sus cualidades, sus características o en cambio una de las dos pierde parte de ellas al unirse? En todo caso cabe destacar como en otras muchas ocasiones dicha unión ha tenido como objetivo que ambas, tanto la parte de propaganda y mensaje político como la artística, se encuentren en igualdad de condiciones, como es el caso del muralismo mexicano, entre otros muchos. 
Junto al llamado «arte de propaganda» encontramos su reacción opuesta, la «antipropaganda oficial» o «propaganda de oposición», que no son otros que "actos de disidencia" por la parte de la población no conforme con lo establecido. Uno de estos "actos" es la acción revolucionaria y discrepante que tuvo lugar en 1989 en Pekín llevada a cabo por una gran parte de la población.  

Este numeroso grupo de manifestantes reunido en primer lugar para conmemorar la muerte de Hu Yaobang; pero más tarde lo que comenzó con una siempre agrupación desembocó en una protesta y manifestación pro-democracia, como también en una huelga de hambre; todo ello tuvo lugar en la gran plaza de Tiananmen . Poco a poco se fue uniendo mucha más gente al lugar. Todos ellos abogaban por el fin de la corrupción oficial y de la censura. 

A lo largo de los días Tiananmen se fue llenando tanto de estudiantes como de familias enteras, en los que convivieron y compartieron numerosas experiencias. Lo destacado fue cuando un grupo de estudiantes de la escuela de Bellas Artes de Pekín realizó en la plaza una estatua de unos 10 metros de altura, compuesta de materiales básicos como la espuma de poliestireno y la pasta de papel que se aplicó sobre un armazón metálico.

La llamada "Diosa de la Democracia" aunque nos recuerde a la famosa Estatua de la Libertad de Nueva York, no se pretendió hacer una copia exacta de ella, por lo que conserva aspectos propios del arte chino tradicional como podemos apreciar en el rostro y la cabeza. Esta "diosa" se alzaba por encima de todas las personas congregadas y se enfrentaba con todo aquel panorama de propaganda impuesta y oficial; se abría paso, sin ataduras y con los brazos en alza encendiendo aquel fuego de la democracia y  la libertad. Pese a todo ello, a toda la lucha y esfuerzo al final todo se redujo al silencio por medio de la fuerza. A los pocos días de su inauguración esta "diosa" fue destruida como tantas vidas valientes, pero nunca olvidada. 

"Hoy, aquí en la Plaza del Pueblo, la Diosa de la gente alza en lo alto y anuncia al mundo entero: La conciencia de la democracia ha despertado entre el pueblo chino ¡la nueva era ha comenzado!"

Fuente: CLARK, Toby, Arte y propaganda en el siglo XX. Akal, Madrid, 2000. 

Une vie en couleur

"Yo solía pensar que era la persona más extraña en el mundo, pero luego pensé, hay mucha gente así en el mundo, tiene que haber alguien como yo, que se sienta bizarra y dañada de la misma forma en que yo me siento. Me la imagino, e imagino que ella también debe estar por ahí pensando en mí. Bueno, yo espero que si tú estás por ahí y lees esto sepas que, sí, es verdad, yo estoy aquí, soy tan extraña como tú."

"Pies, ¿para qué los quiero si tengo alas para volar?"

Frida, Friducha como Diego la llamaba, nunca dejará de sorprenderme. Antes de terminar este complejo año 2013, me gustaría hablar de esta gran artista. ¿Por qué Frida? Por que quizás este año ha sido cuando más nos hemos encontrado y compartido. Mi año 2013 ha sido de búsqueda, de ilusión y de mucho trabajo en el que siempre el arte de Kahlo ha tomado parte. 

Desde siempre me ha impresionado todo su trabajo y dedicación. Su mundo interior que plasmaba con gran pasión. El arte fue su vehículo para adentrarse a mundos a los cuales no podía acceder, fue su medio para mostrar todo su dolor y superación. Es un reflejo de toda una vida de lucha y amor por todo lo que hacía. 

Frida tuvo una vida intensa, desde muy pequeña destacaba su creatividad e ingenio y su predilección por la cultura precolombina, como vemos en su obra Mi nana y yo. Su salud se resintió a muy temprana edad con problemas de poliomielitis de ello heredó el respectivo mote de "Frida la coja". 

Pero más tarde fue cuando su presente y futuro dieron un giro brusco y doloroso. El autobús, ese día y todo su mundo vivido ya no sería igual. Aquel accidente le acompañaría siempre, tenía que vivir con este dolor y tormento toda la vida. Pero Frida supo afrontarlo con coraje y fuerza. Aprendió a convivir con ello y a disfrutar de lo que la vida le iba ofreciendo. 

Durante el tiempo que pasaba en la cama, se las arregló para seguir pintando tanto oleos como su propio corsé de escayola.                               

Apasionada de la cultura mexicana, del arte popular y la cultura precolombina, como nos muestra en casi toda su producción, ya que las primeras obras aun se encuentran muy influenciadas del arte academicista. Junto a los muralistas mexicanos, Frida quería dotar su obra de un sentimiento nacionalista mexicano, compartía con ellos el mensaje revolucionario de lucha y compromiso social. 

En lo inestable y complicado Frida supo buscar la fortaleza y combatió luchando por conseguir todo aquello que soñaba. El arte le enseñó a tener alas y con ellas sus obras pudieron volar por todo el mundo, como hoy lo siguen haciendo. 

“Amurallar el propio sufrimiento es arriesgarte a que te devore desde el interior.”

“Espero alegre la salida y espero no volver jamás.”

Fuente: KETTENMANN, Andrea, Kahlo. Taschen, Madrid, 2007.