Art et propagande: "La déesse de la Démocratie"

"Hablar de la democracia y callar al pueblo es una farsa. Hablar de humanismo y negar a los hombres es una mentira". Ovidio.

"Si se hubiera de definir la democracia podría hacerse diciendo que es la sociedad en la cual no sólo es permitido, sino exigido, el ser persona". María Zambrano.

Durante todo este siglo XX, lleno de guerras, conquistas y tremendas masacres, la palabra «propaganda» ha ido poco a poco perdiendo su sentido original, el cual derivaba del verbo latino propagare y significa ‘multiplicar’, ‘difundir’ y ‘diseminar’; hasta finalmente adquirir un significado peyorativo. En el periodo entre guerras el uso del término "propaganda" fue utilizado a favor de obtener una opinión pública favorable, para ello el poder se sirvió de los medios de comunicación y masas, del cine, la censura, la manipulación, etc. para lograr tal fin.  

Tras las consecuencias de esta etapa, dicha expresión fue evitada y eludida por las nocivas connotaciones que había obtenido y se optó por usar otros términos similares que llevasen a cabo el mismo fin. Mientras unos países utilizaban eufemismos tales como "servicios de información", otros como la Unión Soviética o la Alemania Nazi por su carácter de autoritarismo, se les atribuyó la palabra «propaganda».  

«Para algunos "Arte de propaganda" es una contradicción de términos» Toby Clark. 

Contiguo a la llamada «propaganda» se encuentra ligado otro término que por su condición estética nos puede parecer totalmente contradictorio, como es el Arte. «Arte de propaganda» nos puede sonar bastante familiar, en la actualidad nos referirnos a toda aquella publicidad y obras artísticas realizadas en beneficio del estado o de otro grupo de dominio. Muchas veces también conocido como arte al servicio del poder. 
A lo largo de la historia el arte, la producción artística ha estado al servicio  y propaganda del poder dominante. Desde Egipto y Roma, para demostrar el poder y glorificar las victorias se erigían suntuosas y monumentales edificaciones. Como también durante la Edad Media, el arte servia al poder eclesiástico en la construcción y diseño del programa iconográfico para la realización de las grandes iglesias. Durante el Renacimiento y Barroco ocurría de igual modo con la particularidad de que el trabajo del artista era reconocido. Fue en el siglo XIX cuando el arte quiere desligarse totalmente de la presión y el mandato del poder para ser libre e independiente. 

Y es que nos puede parecer muy contradictorio unir el arte con la política. Al producirse esta unión podríamos preguntarnos ¿siguen ambas conservando sus cualidades, sus características o en cambio una de las dos pierde parte de ellas al unirse? En todo caso cabe destacar como en otras muchas ocasiones dicha unión ha tenido como objetivo que ambas, tanto la parte de propaganda y mensaje político como la artística, se encuentren en igualdad de condiciones, como es el caso del muralismo mexicano, entre otros muchos. 
Junto al llamado «arte de propaganda» encontramos su reacción opuesta, la «antipropaganda oficial» o «propaganda de oposición», que no son otros que "actos de disidencia" por la parte de la población no conforme con lo establecido. Uno de estos "actos" es la acción revolucionaria y discrepante que tuvo lugar en 1989 en Pekín llevada a cabo por una gran parte de la población.  

Este numeroso grupo de manifestantes reunido en primer lugar para conmemorar la muerte de Hu Yaobang; pero más tarde lo que comenzó con una siempre agrupación desembocó en una protesta y manifestación pro-democracia, como también en una huelga de hambre; todo ello tuvo lugar en la gran plaza de Tiananmen . Poco a poco se fue uniendo mucha más gente al lugar. Todos ellos abogaban por el fin de la corrupción oficial y de la censura. 

A lo largo de los días Tiananmen se fue llenando tanto de estudiantes como de familias enteras, en los que convivieron y compartieron numerosas experiencias. Lo destacado fue cuando un grupo de estudiantes de la escuela de Bellas Artes de Pekín realizó en la plaza una estatua de unos 10 metros de altura, compuesta de materiales básicos como la espuma de poliestireno y la pasta de papel que se aplicó sobre un armazón metálico.

La llamada "Diosa de la Democracia" aunque nos recuerde a la famosa Estatua de la Libertad de Nueva York, no se pretendió hacer una copia exacta de ella, por lo que conserva aspectos propios del arte chino tradicional como podemos apreciar en el rostro y la cabeza. Esta "diosa" se alzaba por encima de todas las personas congregadas y se enfrentaba con todo aquel panorama de propaganda impuesta y oficial; se abría paso, sin ataduras y con los brazos en alza encendiendo aquel fuego de la democracia y  la libertad. Pese a todo ello, a toda la lucha y esfuerzo al final todo se redujo al silencio por medio de la fuerza. A los pocos días de su inauguración esta "diosa" fue destruida como tantas vidas valientes, pero nunca olvidada. 

"Hoy, aquí en la Plaza del Pueblo, la Diosa de la gente alza en lo alto y anuncia al mundo entero: La conciencia de la democracia ha despertado entre el pueblo chino ¡la nueva era ha comenzado!"

Fuente: CLARK, Toby, Arte y propaganda en el siglo XX. Akal, Madrid, 2000. 

Le travail est l'opium du peuple... Je ne veux pas mourir drogué!

"Quien entrega su trabajo a cambio de dinero se vende a sí mismo y se sitúa en las filas de los esclavos" Cicerón.

“El reino de la libertad solo empieza allí donde termina el trabajo impuesto por la necesidad y por la coacción de los fines externos" Karl Marx.

"El trabajo consiste en lo que un organismo está obligado a hacer; el juego consiste en lo que un organismo no está obligado a hacer". Mark Twain.

"El trabajo es la fuente de casi toda la miseria existente en el mundo. [...] Para dejar de sufrir, hemos de dejar de trabajar."

Bob Black autor de La abolición del trabajo, con su ingenio, ironía y buen humor nos propone un giro de 180º a nuestra visión establecida del mundo, a que rompamos con ella y que por fin podamos respirar, quitarnos las "cadenas" y dejar por fin de trabajar. Nuestra vida, día a día se encuentra inmersa en vivir para trabajar, vivimos para el trabajo, el trabajo es el que rige nuestras vidas. Entendemos el trabajo como una fuente de realización, de dignificación  y satisfacción del ser humano. 

De esta forma nos puede parecer algo extraño y un tanto utópico lo que Black nos formula y propone, ¿Abolir y romper con el trabajo? Eso es algo inverosímil y absurdo, podríamos pensar. Hoy este planteamiento no es sino una provocación. 

Conforme nos adentramos en su pensamiento encontramos una alternativa, otra forma posible de vida, en donde el juego tiene un papel esencial. 
Nuestra realidad es contradictoria cuando se trata de diversión y distracción. Todas y cada una de las ideologías existentes abogan por el trabajo, tanto las más conservadoras como las más revolucionarias, solamente disertan sobre sus condiciones y cualidades, de cómo quieren que sea, se habla de las condiciones del trabajador, del sueldo y la explotación, se debate sobre quienes deberían de gobernar pero ninguno de ellos plantea la posibilidad de otra alternativa al sistema actual, como nos dice Black "ninguno de ellos tiene nada en contra del poder como tal y todos quieren que sigamos trabajando"

Para ello debemos desprendernos del trabajo como algo obligatorio e indispensable para vivir. Hoy día no se trabaja por el hecho de disfrutar o por placer, sino para obtener un fin económico, un producto, en donde el trabajador se beneficia en menor medida de él. De esta forma pocas veces nos sentimos beneficiados o satisfechos de nuestro trabajo. 

  "El trabajo es producción impuesta por medios económicos" 

En este sentido Black acentúa el carácter nocivo del trabajo, cuando se refiere a estas condiciones dañinas las pone en el contexto de la civilización moderna, en las sociedades industrializadas tanto capitalistas como comunistas. Donde el trabajo se ha convertido en un medio de control y de esclavitud, de forma que el ser humano no pueda prescindir de él. 

Se nos mide por nuestro trabajo productivo; si somos útiles o si damos beneficio, somos al fin simples cifras al terminar nuestra jornada de trabajo. 

"El trabajo convierte la libertad en una parodia"

Todo aquello que nos interesa y nos motiva de nuestra tarea se ve minimizado y suprimido por la monotonía y el carácter obligatorio que nuestro trabajo adquiere. En palabras de Black, "[..] Este es el auténtico mundo del trabajo: un mundo de ineptitud burocrática, de discriminación y acoso sexual, en el que jefes estúpidos explotan y convierten en chivos expiatorios a sus subordinados"

Black nos alude a la degradación que cada trabajador sufre en su puesto bajo el nombre de "disciplina". Como nos controlan y nos sometemos a sus controles de vigilancia, mientras la disidencia y desobediencia es castigada con total severidad. Pero de todo ello pocas veces somos conscientes y es que "estamos tan ligados al mundo del trabajo que somos incapaces de ver lo mucho que nos perjudica"

Para ello y ver que el trabajo no es la única salida, ni el único modo de vida, debemos de fijarnos y analizar otras culturas e incluso trasladarnos a la vida de la humanidad primitiva, de esta forma podremos ver cómo el trabajo, tal y como hoy lo entendemos, en las primeras sociedades no existía, así apunta el antropólogo Marshall Sahlins, "los cazadores recolectores trabajan menos que nosotros, y en lugar de ser una labor continua, la búsqueda de alimentos es intermitente, el ocio es abundante".

La alternativa revolucionaria de Black es el juego, la actividad libre, el disfrute de todo aquello que queramos realizar, sin barreras de poder y coacción, de obligatoriedad y explotación. El secreto está en la transformación del trabajo en juego. Esta idea Black la basa en el trabajo tanto de Charles Fourier como de William Morris. 

"Nadie debería trabajar jamás. Proletarios de todos los países... ¡relajaos!"

Fuente: BLACK, Bob, La abolición del trabajo. Pepitas de calabaza, Logroño, 2013.

Une vie en couleur

"Yo solía pensar que era la persona más extraña en el mundo, pero luego pensé, hay mucha gente así en el mundo, tiene que haber alguien como yo, que se sienta bizarra y dañada de la misma forma en que yo me siento. Me la imagino, e imagino que ella también debe estar por ahí pensando en mí. Bueno, yo espero que si tú estás por ahí y lees esto sepas que, sí, es verdad, yo estoy aquí, soy tan extraña como tú."

"Pies, ¿para qué los quiero si tengo alas para volar?"

Frida, Friducha como Diego la llamaba, nunca dejará de sorprenderme. Antes de terminar este complejo año 2013, me gustaría hablar de esta gran artista. ¿Por qué Frida? Por que quizás este año ha sido cuando más nos hemos encontrado y compartido. Mi año 2013 ha sido de búsqueda, de ilusión y de mucho trabajo en el que siempre el arte de Kahlo ha tomado parte. 

Desde siempre me ha impresionado todo su trabajo y dedicación. Su mundo interior que plasmaba con gran pasión. El arte fue su vehículo para adentrarse a mundos a los cuales no podía acceder, fue su medio para mostrar todo su dolor y superación. Es un reflejo de toda una vida de lucha y amor por todo lo que hacía. 

Frida tuvo una vida intensa, desde muy pequeña destacaba su creatividad e ingenio y su predilección por la cultura precolombina, como vemos en su obra Mi nana y yo. Su salud se resintió a muy temprana edad con problemas de poliomielitis de ello heredó el respectivo mote de "Frida la coja". 

Pero más tarde fue cuando su presente y futuro dieron un giro brusco y doloroso. El autobús, ese día y todo su mundo vivido ya no sería igual. Aquel accidente le acompañaría siempre, tenía que vivir con este dolor y tormento toda la vida. Pero Frida supo afrontarlo con coraje y fuerza. Aprendió a convivir con ello y a disfrutar de lo que la vida le iba ofreciendo. 

Durante el tiempo que pasaba en la cama, se las arregló para seguir pintando tanto oleos como su propio corsé de escayola.                               

Apasionada de la cultura mexicana, del arte popular y la cultura precolombina, como nos muestra en casi toda su producción, ya que las primeras obras aun se encuentran muy influenciadas del arte academicista. Junto a los muralistas mexicanos, Frida quería dotar su obra de un sentimiento nacionalista mexicano, compartía con ellos el mensaje revolucionario de lucha y compromiso social. 

En lo inestable y complicado Frida supo buscar la fortaleza y combatió luchando por conseguir todo aquello que soñaba. El arte le enseñó a tener alas y con ellas sus obras pudieron volar por todo el mundo, como hoy lo siguen haciendo. 

“Amurallar el propio sufrimiento es arriesgarte a que te devore desde el interior.”

“Espero alegre la salida y espero no volver jamás.”

Fuente: KETTENMANN, Andrea, Kahlo. Taschen, Madrid, 2007.

La sensibilité des yeux, Tina Modotti

"Hoy no me puedo dar siquiera el lujo de mis penas... sé muy bien que ésta no es hora para lágrimas; esperan de nosotros lo más grande y no debemos aflojar... ni parar a mitad del camino... el descanso es imposible... ni nuestras conciencias ni el recuerdo de las victimas muertas nos lo permitirían" Tina Modotti, carta a Weston. 

“Tina Modotti, hermana, no duermes, no, no duermes; tal vez tu corazón oye crecer la rosade ayer, la última rosa de ayer, la nueva rosa”. Pablo Neruda.

Modotti junto a Weston se pusieron en camino hacia la ciudad de México dejando atrás muchas desilusiones, sueños y una carrera, por parte de Tina como actriz, que muy pronto fueron reemplazándose por otros, como fue la fotografía. 

Con la palabra de Weston de que la adentraría en el mundo de la fotografía, Tina comenzará su pasión por dicho arte. Weston a cambio la tomará como modelo. 

La vida de Tina en México fue intensa pero breve, desde el primer momento se encontró muy agusto, al poco ya conocía a varios artistas revolucionarios como fueron Frida Kahlo, Diego Rivera, Alfaro Siqueiros, entre otros muchos. Con ellos creará una relación muy estrecha y compartirá tanto una labor artística como política. 

En sus primeros trabajos con Weston como "tutor" aun no veremos el alma de Tina, ya que todavía se encuentra muy impregnada de la huella de Weston. Junto al trabajo en el laboratorio y haciendo de modelo, llevará acabo una labor activista en la política colaborando con el periódico creado por los muralistas llamado El Machete, su trabajo fue traducir del inglés y del italiano artículos antifascistas. 

Durante 1926 expondrá junto a Weston y algunos de los muralistas, en este año también tiene lugar la partida definitiva de Weston a Los Ángeles, donde en su ausencia Tina desarrollará una actividad artística en solitario como fotógrafa y junto a ello será contratada por los muralistas para documentar todo el proceso creativo. Poco a poco se irá alejando de la estética influida por Weston para encontrar la suya propia tanto a nivel temático como formal. 

Tina se adentrará en los lugares más sencillos de México, viajará por sus calles una y otra vez con su cámara, atenta, con los ojos bien abiertos para captar la verdadera esencia de la ciudad. Durante su estancia fue severamente juzgada por aquellos que bajo un pensamiento conservador no entendían su comportamiento, ni lo veían correcto; para entonces una mujer no salía más tarde de las ocho, ni compartía un lugar público con sólo hombres, ni tampoco posaba como modelo totalmente desnuda. 

En sus fotografías, a parte del valor estético (belleza), del esquema compositivo, del motivo simbólico, alegórico e ideológico que incluye en muchas de sus obras, nos encontramos ante una nueva mirada, cercana al fotoperiodismo. Tina, quiere hacernos partícipes de todo lo que contempla, la realidad tal y como es. Hace de su fotografía un compromiso social. El protagonista es el pueblo más humilde, que vive en la miseria y en la injusticia social. 

Tan segura estaba de poder llegar a construir un nuevo modelo social , que en 1927 se afilió al Partido Comunista Mexicano, donde entre otras cosas, estaba de acuerdo con combatir la política expansionista norteamericana. Durante este tiempo convivirán tanto una labor política como una artística, de hecho no son dos realidades separadas, sino que van a estar unidas en toda su trayectoria.

Tina revolucionó la fotografía mexicana. Le importaba contextualizar lo fotografiado dentro de un ambiente humano, social y realista. Imprime en cada obra una sensibilidad y una pasión por todo aquello que inmortaliza, teniendo como resultado la vivencia de una realidad tangible, que nos llama a la empatía y a conocer la verdadera alma de México.  

"Son los tuyos, hermana: los que hoy te dicen tu nombre,

los que de todas partes, del agua, de la tierra,

con tu nombre otros nombres callamos y decimos,

porque el Fuego no muere." Pablo Neruda.

Fuente: FIGARELLA, Mariana, Edward Weston y Tina Modotti en México. Universidad Nacional Autónoma de México, México, 2002.

Joseph Beuys, l'art comme la vie

“Cada hombre es un artista. En cada hombre existe una facultad creadora virtual. Esto no quiere decir que cada hombre sea un pintor o un escultor, sino que existe una creatividad latente en todas las esferas del trabajo humano”

Para Beuys, procedente de un entorno católico practicante, interesado por la poesía y las ciencias naturales, que combatió en la II Guerra Mundial en la Aviación, todo cambió tras su caída en Crimea, donde nos cuenta que le acogieron y cuidaron unos tártaros nómadas y que con sus ritos de curación le ayudaron a sobrevivir. Este tipo de medicina curativa no era convencional, era primitiva ritual, algo ya perdido en el desarrollo de la civilización. 

Tras estudiar arte en la Academia Nacional de Düsseldorf en 1961 le ofrecieron un puesto como profesor de escultura en la misma academia. En sus clases Beuys se opondrá totalmente a la figura tradicional y estricta del profesor y va a entablar una relación más estrecha y directa con los estudiantes, donde unos aprendan de los otros. Pero su actividad no se quedará sólo en ser profesor, sino que trabajará en exposiciones y acciones, relacionándose con artistas del momento. Propone una universidad libre, donde quien lo desee pueda aprender y donde se atiendan a las necesidades demandadas por los alumnos. Por todo ello y su relación con el profesorado y la administración, fue expulsado en 1972.

Beuys no entiende una forma de arte separada o apartada de su contexto, por eso toda su producción va a estar integrada en su vida. La política establecerá una relación muy estrecha con el arte y en las acciones de Beuys. Mientras llevaba a cabo una labor activista en la política y accionista en el arte, crea su perseguida Universidad Libre, donde podrá llevar a cabo todo aquello que proponía. 

Podemos considerar a Beuys como un escultor social, un activista interesado tanto en el arte como en la política. Quería dar un giro a la forma de entender el arte y de producirlo. El arte va más allá de lo que siempre a abarcado; rompe fronteras y llega a todos los sectores de la vida. 

“A mi juicio, el arte ha llegado a un término, toca a su fin y ahora comienza un periodo en que asoma la necesidad de un arte social”.

De esta forma nos propone que nosotros mismos seamos la revolución (La Rivoluzione Siamo Noi), que el arte nos llame y revolucione nuestro modo de vivir, ya que como él comenta, el arte no se puede quedar acotado en el espacio cerrado del museo, sino que debe de transformar nuestra percepción y al hacerlo cambiar el mundo en el que vivimos. Por lo que toda su obra no se puede desligar de su vida cotidiana.

Beuys nos hace ver cómo el arte nos enseña a pensar, nos ayuda a salir de la alienación a la que estamos sometidos, nos hace ser libres, ser críticos con la sociedad y la política. 

“La cuestión es la capacidad de cada uno en su lugar de trabajo para convertirse en una fuerza creativa y reconocerla como un deber artístico a cumplir”.

Fuente: BOZAL, Valeriano, Modernos y postmodernos. Historia 16, Madrid, 1989.

Puagh! sacré bleu!

"[...]¡Oh fealdad santa, amiga de castidad, desdeñadora de escándalos, defensora contra los peligros!" Ortensio Lando, Mejor feo que bello.       

"Pero yo, que no he sido formado para estos traviesos deportes ni para cortejar a un amoroso espejo...; yo, groseramente construido y sin la majestuosa gentileza para pavonearme ante una ninfa de libertina desenvoltura: yo, privado de esta bella proporción, desprovisto de todo encanto por la pérfida naturaleza; deforme, sin acabar, enviado antes de tiempo a este latente mundo; terminado a  medias, y eso tan imperfectamente y fuera de la moda [...]" W. Shakespeare, Ricardo III, I.

"¡Oh, encanto de una nada locamente emperifollada!" Baudelaire.

Lo feo, lo desagradable, lo obsceno, lo grotesco, lo caricaturesco, etc. son categorías estéticas que a lo largo de los siglos se han ido conformando; algunas de ellas ya las podíamos encontrar en los dibujos de Leonardo da Vinci o incluso mucho antes, en el mundo clásico en los distintos frescos procedentes de Pompeya, en la decoraciones de los vasos griegos, como también en las diferentes máscaras y estatuas de bronce. Uno de los ejemplos más representativos lo encontramos en el dios Príapo, al cual se le representa con el falo erecto. 

Muchas estas categorías nos pueden conducir a lo cómico y producirnos risa, en otras ocasiones desagrado, y si es algo referente al sexo o a los excrementos, repugnancia.

En la cultura occidental siempre se han visto los asuntos relacionados con la sexualidad, los genitales y las secreciones de forma  pudorosa, repulsiva y con vergüenza a la hora de hablar sobre ellos. Son llamados en ocasiones temas tabú. 

A lo largo de toda la historia del arte numerosos artistas, algunos de forma anónima y otros muy conocidos han optado por la temática de lo grotesco, de mostrar aquel lado no tan bello de las cosas. 

Muchas de estas espectaculares formas e imágenes nos pueden recordar a los retratos caricaturescos de Leonardo, seres deformes "inventados" llenos genialidad. Una de las formas de lo cómico es la caricatura, esta idea podría decirse que es moderna y muchos de los artistas sitúan esta categoría estética en los dibujos de Leonardo. 

La caricatura moderna pretende exagerar un aspecto destacado de la persona y volverlo feo hasta incluso la deformidad. En ocasiones como burla o denunciar un defecto moral a través de uno físico. En el mundo de lo caricaturesco por medio de lo cómico se desvalora, se llega a humillar, pero también se llega a enfatizar el carácter de la persona, mostrándola amable y simpática. Mientras algunos artistas nos muestran crueles y despiadadas caricaturas otros realizan retratos de gran penetración psicológica. 

Lo fascinante, increíble, alucinante, indescriptible, amorfo, terrorífico, etc. 

¿Quién dice que no puede encarnar algo de belleza?

Fuentes: ECO, Umberto. Historia de la fealdad. Lumen, Barcelona, 2007.

Une merveille oubliée

¿Por qué volvéis a la memoria mía,tristes recuerdos del placer perdido...? José de Espronceda.

El verdadero arte es ver más allá de las frías piedras. Anónimo.

Llegará un día que nuestros recuerdos serán nuestra riqueza. Paul Géraldy.

Paseando por la antigua Sevilla, de calles estrechas y recónditos lugares, fuera del ajetreo y del bullicio del tráfico, se encuentra el esplendor, el corazón; la verdadera aventura. Dispersos pequeños comercios, casas, muchas de ellas de fachada muy antigua, plazas rodeadas de jardines y algunas librerías repletas de auténticas joyas escondidas entre montañas de polvo. En el interior de todo ello, de toda esta esencia, me topé con esta maravilla olvidada. 

La iglesia de Santa Catalina se encuentra ubicada en calle Alhondiga en una zona cercana al centro de Sevilla. Me impresionó toda su historia y su profunda soledad. Al rodearla pude ser testigo de todo su pasado. 
Encontramos en toda ella elementos mestizos de arte y órdenes, entre los que vemos vestigios de la arquitectura gótica-mudéjar junto a renovaciones y remodelaciones posteriores que tienen lugar durante los siglos XVI al XIX. Fue construida sobre una mezquita anterior, de la que se conserva el alminar, hoy torre campanario y restos arquitectónicos de época almohade en uno de los muros laterales. En el interior, tres naves distribuyen el espacio cubiertas por un artesonado mudéjar. 

Volviendo al exterior, después de dejar atrás la portada principal de estilo gótico procedente de la iglesia de Sta. Lucía, que tras su extinción fue trasladado y reconstruido en esta puerta en 1930. Enmarcada por monumentales arcos apuntados y rematada con rosetón. Nos dirigimos hacia lo que para mí fue lo más considerable y significativo de todo el conjunto externo; el alminar y torre campanario.  

Al alzar la vista me encontré con este prodigio de planta cuadrada, organizado en dos cuerpos, este último rematado con almenas dentadas y campanil o esquina. Decorado de paños de sebka, arcos ciegos, polilobulados insertos en arrabá y alfiz. Junto a ello la forma de disponer los sillares en soga y tizón y la semejanza que tiene con otras torres, se podría decir que la fecha más posible de la mezquita precedente a la iglesia sería entre los siglos IX y X.

En mi fugaz visita solo pude ser testigo de la belleza y el encanto del exterior de Sta. Catalina. Expectante y con muchos deseos  de acceder a su interior me quedé, de poder ver toda su esencia y explendor, pero toda ella se encontraba completamente cerrada y sellada. Encerrada en sí misma. 

Espero Sta. Catalina que pronto puedas salir de tu soledad y enseñarnos a todos tu grandiosa belleza. 

Poder disfrutar de los recuerdos de la vida es vivir dos veces. Marco Valerio Marcial.