L´art vivant... Le Fluxus

"Son las cosas que no conocéis las que cambiaran nuestra vida" Wolf Vostell

Ver, oír, sentir...Fluxus.

Dentro del gran campo que constituye el llamado arte de acción tenemos casi el último movimiento de vanguardia del siglo XX, desarrollado durante los años sesenta y setenta, conocido como Fluxus. Este ha sido considerado como una rama del happening, aunque se encuentra más ligado a otro tipo de manifestaciones como la música, la literatura, el teatro, las artes plásticas, etc.

Creado por George Maciunas en 1962, acoge a muy diversos tipos de artistas que en muchas ocasiones trabajan en otros campos artísticos, y más de uno fue pionero en la utilización de nuevas tecnologías como fueron la televisión y los aparatos de vídeo, aun muy poco conocidos y muy poco empleados en el terreno artístico. Este interés por trabajar e incluir dentro del arte elementos del mundo de la tecnología dio lugar a que poco a poco se fuese creando una fusión entre ambas, el vídeo arte o las vídeo instalaciones, fueron el producto de dicha unión. 

“El futuro es ahora” Nam June Paik

Se trata de acciones más simples que las que se desarrollaban en muchos de los happenings, considerado un movimiento Neodadaísta ya que muchos de los planteamientos de Dadá quedan recogidos en gran parte de sus discursos, como el interés por darle un giro y romper con los esquemas establecidos en el arte, así, pretende la interdisciplinariedad entre los distintos campos artísticos. Otra cuestión que está implícita en este movimiento tan heterogéneo es su carácter anti-arte que como bien nos menciona Simón Marchán "[...] se trata menos de una supresión del arte que de una ampliación del mismo" y esto es porque no pretende derrotar el arte, sino romper las barreras invisibles e impuestas que siempre han separado el arte de otras manifestaciones artísticas como también de otros campos como puede ser la tecnología y la ciencia. Para ello toma las ideas de Duchamp transformando lo no artístico en artístico, así rompiendo con el concepto tradicional de arte y poniendo en duda todo el discurso que ello conlleva. 

El Fluxus como su nombre indica significa flujo, secreción, haciendo referencia al fluir momentáneo de las cosas, sin mucha complejidad y dificultad. Es un continuo movimiento de libertad, ideas y obras. Se compone de actos muy espontáneos con un alto grado de improvisación y simplicidad, como podría ser romper un objeto, sentarse en una silla o tocar un instrumento. Se compone de acciones cotidianas pero llevadas a cabo desde una perspectiva muy distinta, de esta forma quiere romper con la idea del arte como mercancía, está en contra del objeto artístico tradicional y de las instituciones profesionales del arte.   

"Fluxus-arte-diversión debe ser simple, entretenido y sin pretensiones, tratar temas triviales, sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional". George Maciunas.

Quizás aun teniendo esta simpleza no deja de ser impactante, aunque no invita tanto al espectador a participar de ese acontecimiento como podría pasar en el happening, en este caso no llega a existir una clara igualdad entre artista y espectador, sino que es muchas veces el espectador quien tiene amoldarse y doblegarse al continuo fluir de la obra. Es el espectador el que se acopla a participar de dicha acción. 

Como ya hemos comentado, muchos de los integrantes de este movimiento procedían de la vanguardia musical y literaria. Entre otros tenemos al compositor John Cage que muy influenciado por el budismo zen, llevó a cabo el descubrimiento de un nuevo fenómeno hasta entonces era poco empleado en música como fue el silencio. Llevando a cabo la obra desde una plena libertad, Cage comprobó que el silencio absoluto no existía. En su obra más famosa como es 4´33" podemos ver tres movimientos en los que el silencio es el integrante principal en su obra. En este mis año, Cage realizó diversas instalaciones en programas de televisión, una de ellas fue Water Music, que con muy diversos y dispares objetos creaba distintos sonidos jugando con cada uno de ellos marcando el tiempo con un reloj. 

Otra figura en este caso femenina fue Charlotte Moorman que destacó por sus extraordinarias dotes con el violín y que colaboró en varias piezas con Cage y Nam June Paik. En sus acciones revolucionó el campo de la música clásica conjugando distintos elementos del mundo de la tecnología como incluso del propio cuerpo humano, una nueva forma de crear música. Muchas de sus obras rozaron la polémica como fue el caso de Opera Sextronique en 1967.

Junto a ella tenemos a la conocida Yoko Ono, que aparte de ser famosa por la relación que mantuvo con el Beatles se le conoce también por su gran aportación al campo del arte y de la música. Su inquieta ambición por ampliar e innovar su campo de estudio la llevó a la escena del Fluxus. En sus acciones vemos un carácter tanto activista en su defensa por la paz y la no violencia y también la creación de nuevos lenguajes en los que poder defender dichas ideas. Una de las acciones más impactantes e impresionantes fue "A Hole", donde el espectador se posiciona delante de su propia muerte.

 “Con ella quiero advertir de la violencia que hay en todo el mundo” Yoko Ono

Uno de los integrantes que innovó e incorporó las nuevas tecnologías al campo del Fluxus fue Nam June Paik, que junto a su faceta de compositor también se le conoce por sus rompedoras y revolucionarias acciones, como también por su interés por el mundo de los medios de comunicación y de la publicidad. Fue un precursor del vídeo arte y de las vídeo instalaciones. En muchas de sus acciones vemos como juega con distintos elementos de los medios de masas como la televisión, la radio y de la tecnología como los circuitos de luces y el uso del láser, creando con todo ello una nueva forma de escultura en continuo cambio y fugacidad. Así Paik entendía que todo algún día estaría interconectado por la comunicación electrónica que llamó super highway.

Dentro del Fluxus se conocen a numerosos artistas, yo he querido centrarme en estos cuatro, pero no quiere decir con ello que sean los más importantes o que su trabajo haya tenido mayor repercusión. Entre otros integrantes se encuentran Wolf Vostell, Allan Kaprow, Robert Filliou, George Brecht, Carolee Schneemann y Joseph Beuys, este último con su aportación en los medios de comunicación con la acción que llevó a cabo sobre "TV de fieltro".

"La vida puede ser arte y el arte puede ser vida" Wolf Vostell

Para poder apreciar y conocer este campo artístico es indispensable no sólo quedarnos con las imágenes sino también explorar por medio del oído las distintas acciones que muchos llevaron a cabo. Aquí os dejo un enlace donde reúne mucha de ellas y mi página en Facebook donde comento y subo diversas cosas sobre el tema. 

http://www.ubu.com/film/fluxfilm.html

https://www.facebook.com/pages/%C3%80-coeur-ouvert/567176060004147

Fuentes: MARCHÁN FIZ, S., Del arte objetual al arte de concepto. Madrid, Akal, 2012. ESTELLA NORIEGA, Iñaki, Fluxus. Nerea, Madrid, 2003. VV. AA., Arte del siglo XX. Taschen, Barcelona, 2005.

Une touche fémenine (II) Le nouveau femme

“Parece como si un pepino gigante hubiera invadido las rosas y los claveles del jardín y los hubiera ahogado”. Virginia Woolf.

“Una obra de arte es feminista no cuando está realizada por una mujer, sino cuando ésta problematiza y subvierte las formas en que un texto o sistema de significación específico opera dentro de un orden social dado produciendo hegemonía u opresión”. Griselda Pollock.

Parafraseando a Pablo Neruda con Podrán cortar todas las flores, pero no podrán detener la primavera me gustaría comenzar un pequeño recorrido en el que pretendo hablar sobre el Seminario Internacional Mujeres y arte de vanguardia y el ciclo de Conferencias dentro del Festival Miradas de Mujer que han tenido lugar tanto en el MPM (Museo Picasso de Málaga) como en el CAC (Centro de Arte Contemporáneo) sobre miradas de mujer en el arte, en concreto en el arte contemporáneo. Y es que como apunta Neruda podrán cortar u ocultar en este caso la presencia femenina en la historia del arte, podrán obviarla y silenciarla escondiéndola en los grandes almacenes como ocurre en muchos museos, pero nunca podrán cambiar la historia del pasado ni del presente, muchas de estas mujeres hicieron historia y por ello hoy su influencia, su legado y artisticidad siguen presente. 

Hoy aun esta realidad no es siempre vista de este modo, son muchos, por ejemplo los libros y manuales que siguen mostrando una historia del arte sesgada en donde la mirada masculina del artista creador es la única y principal, la mujer creadora prácticamente no aparece y para encontrar algo sobre ello tenemos que recurrir a ejemplares específicos del tema. De igual modo ocurre con muchos de los museos a los cuales solemos ir, se encuentran repletos de obras realizadas por artistas, mientras que el punto de vista femenino, como ya nos apuntaban las Guerrilla Girls, únicamente lo encontramos en los desnudos inmaculados de muchas obras. 

Y sin planearlo demasiado ya estaba apuntada a ambos, Conferencias y Seminario Internacional. Las conferencias iban acompañadas de un vídeo producción sobre la artista y su obra. Mujeres con una gran producción artística, alguna de ellas poco mediatizadas y conocidas por la gran mayoría pero ello no quita que su trayectoria sea de gran importancia para la historia del arte. Artistas como Shirin Neshat, Tracey Emin, Louise Bourgeois o la misma Marina Abramovic, entre otras muchas, nos muestran el alcance y la repercusión que sus obras tuvieron en el campo del arte contemporáneo. Sin duda y desde mi experiencia Shirin Neshat fue la que más me impresionó, no sé si es porque de las demás tenía un cierto conocimiento o porque fue la primera conferencia pero me impactó de una forma impresionante la fortaleza y valentía que le otorga a la mujer iraní dentro de la cultura musulmana.

Durante las sesiones del Seminario Internacional se han llevado a cabo distintos planteamientos en donde se pueda llegar a establecer un espacio intermedio en el que debatir y crear nuevos discursos donde la visión femenina tenga también un peso importante dentro de la historia del arte. Entre muchas de las ponencias me llamaron la atención la referente a la imagen que los surrealistas tenían de las mujeres, como un sujeto fragmentado, incompleto, en ocasiones visto como un órgano, como algo biológico sin identidad propia. Del que se seleccionaba distintas partes femeninas y se juega con ellas, se disponen al gusto del consumidor. Pero frente a esta desgarrada y mutilada mirada las mujeres artistas tales como Dorothea Tanning, Leonora Carrington, Meret Oppenheim, Claude Cahun, etc. continuaron con su labor artística. 

Otra de las ponencias trataba sobre la mujer de la Bauhaus, en donde su producción artística era vista de una forma artesanal carente de valor artístico, desprestigiada por los artistas masculinos. La mujer dentro de la Bauhaus tenía un papel secundario, después de que Weimar admitiese a las mujeres en el programa casi siempre su aprendizaje y trabajo iba enfocado al taller textil o  de cerámica frente a otros talleres más "masculinos" como eran el taller de madera, de publicidad o el de metal entre otros. Aun con todo ello muchas de estas mujeres supieron poner de entredicho esta jerarquización de las artes y revalorizar el arte artesanal considerado de menor rango y carente de valor estético. Alma Buscher, Marianne Brandt y Lucía Moholy entre otras muchas son algunas de las artistas que consiguieron cambiar la forma de ver a la mujer artista como simplemente un sujeto carente de valor estético y artístico. 

Todo ello nos apunta a que de una forma u otra es muy necesario que este tipo de seminarios y conferencias se lleven a cabo para poder poner en tela de juicio muchos de los discursos asumidos sobre que todo está ya superado y es cosa del pasado. 
El siglo XXI se encuentra a debate, el arte está dentro de ello y así debemos reformular y crear nuevos planteamientos. El arte no puede ser caduco, ni permanecer anclado en el pasado, sino que se encuentra en constante cuestionamiento. 

"Yo no hubiese sido artista si no hubiera existido el feminismo" Susanne Santoro.

Fuente: CHADWIDCK, Whitney, Mujer, arte y sociedad. Destino, Barcelona, 1992.

Une touche fémenine (I)

"Hablar de mujeres no es hacer crítica feminista" Estrella de Diego.

"Occidente únicamente conoce la historia contada por el Padre" Victoria Sendón.

Hoy día, a simple vista nos puede parecer que términos como machismo, desigualdad o feminismo ya están superados, que es algo que quedó años atrás y que en el siglo XXI no queda ni un ápice de ellos. Ojalá fuese cierto, pero sabemos que no es así. Quizás se intente enmascarar el hecho de que aun sigue habiendo una gran desigualdad, empezando porque se confunden los conceptos o porque se cree que llegando a igualar el número de hombres y mujeres diputados se consigue una igualdad de género, o como también empleando el masculino y femenino de una palabra. Puede que esta forma de intentar "solucionar el problema" solo llegue a modificar el envoltorio, la superficie de lo que realmente sucede.

"El arte es constitutivo de la ideología, no es meramente una ilustración de ella" Griselda Pollock. 

Dentro del establecido sistema ideológico en donde el patriarcado es el medio dominante; el cual se basa en relegar a la mujer un papel estático, sometido y supeditado al del hombre, todo ello llevado a cabo en un espacio acotado, cerrado y privado conocido como la domesticación femenina. La mujer encuentra un medio en donde mostrar su visión del mundo y su no conforme condición impuesta. Por medio del arte, mujeres pioneras como Artemisia Gentileschi o Mary Cassatt, entre otras muchas, exponen una intención feminista en la creación de un sistema de miradas que ponen en evidencia las relaciones de género. Fue de forma más evidente en las primeras décadas del siglo XX cuando esta apuesta por mostrar otra forma de ver la realidad se hizo visible en el sufragismo y en la demanda del derecho al voto femenino. Es muy conocido el acto violento de protesta que llevó a cabo la sufragista Mary Richardson cuando rajó el lienzo de La Venus del espejo de Velázquez, pretendiendo llamar la atención de los medios de masas para hacer eco de la lucha que se estaba llevando a cabo por los derechos de la mujer.

La oleada de movimientos vanguardistas inundó todo el panorama artístico a lo largo de este periodo. Estos artistas fueron creando un nuevo campo artístico, nuevas formas e innovadores procedimientos artísticos, pero a pesar de esta ruptura de formas los "héroes" seguían siendo los mismos. La mujer artista era vista como seguidora o incluso imitadora del arte que estaba realizando su protagonista masculino, llegando a no considerar su arte "serio" y solo un reflejo de todo ello. Así seguiría a la sombra, como compañera y admiradora del trabajo trasgresor del artista masculino. 

A pesar de todo ello el número de mujeres artistas crecerá, se atreverán a pintar, esculpir, fotografiar, etc. Entre muchas de estas mujeres encontramos a Köthe Koll, artista que trabaja dentro de la corriente del expresionismo alemán. Usando la técnica del grabado nos muestra una visión más directa con la realidad del momento. Sus protagonistas serán la crudeza y la miseria que el ser humano estaba sufriendo. Realiza una fuerte crítica social pero desde una mirada diferente en donde la mujer se ve realmente completa, vista por sí misma, creando su propia identidad. Así tanto los hombres como las mujeres se encuentran cargados de una fortaleza alejándose totalmente de todo estereotipo. 

"Los hombre actúan y las mujeres aparecen. Los hombres miran a las mujeres. Las mujeres se contemplan a sí mismas mientras son miradas" John Berger.

Queriendo de esta forma romper con este esquema impuesto y estereotipado, poniendo en tela de juicio todo ello el arte recurre a la deconstrucción como método queriendo por tanto destruir toda aquella identidad construida y ya creada para crear una nueva desde otro punto de vista. Para ello muchas artistas recurrirán al uso del disfraz como es el caso de Claude Cahun exponente del surrealismo, que con su trabajo de interpretación de diversos roles crea un repertorio de diversas identidades. Cahun juega con los estereotipos y los distintos papeles que tanto la mujer como el hombre desempeñan en la sociedad y que parece que no podemos escapar de ellos, crea de esta forma un discurso en donde pone en evidencia los distintos papeles que ambos desempeñan y lo absurdo de ello. 

Por ello y después de todo aun queda un largo camino que recorrer para que la mujer pueda sentirse libre, completa, y vista por sí misma, despojada de todo este sistema impuesto. Para ello hace falta crear nuevos discursos, una nueva mirada, resquebrajar estereotipos y roles que son los que posicionan a uno y a otro y así transformar la visión establecida donde no solo una opción sea la válida. 

"¿Por qué era un sexo tan próspero y el otro tan pobre? ¿Por qué son pobres las mujeres? ¿Quién podrá afirmar que la novela no tiene la configuración adecuada para que la use la mujer?"  Virgina Woolf, Una Habitación propia, 1929.

Fuente: TRIGUEROS ALARIO, Mº Teresa, Arte y Feminismo. Nerea, San Sebastián, 2008. CLARK, Toby, Arte y Propaganda en el siglo XX. Akal, Madrid, 2000. BERGER, John, Modos de ver. Gustavo Gili, Barcelona, 2012. 

Les chaussures du ciel

"En realidad, ningún tiempo es ordinario cuando uno sabe apreciar la vida. Vivir es siempre extraordinario".

Hace ya un tiempo, esta viñeta del dibujante malagueño José Luis Cortés me vino a la mente...

Me invitó a pensar mientras iba comprimida una tarde en el autobús camino a casa. Me propuse analizar la semana y ver si realmente había disfrutado de ella, si había aprovechado cada momento, o si más bien había sido un transcurrir de los días esperando que pasase el tiempo.

Inmersos en el día a día, el ajetreo, los problemas del momento, que en ocasiones, todo lo demás se queda en el fin de semana. Es verdad eso, que vivimos sólo para trabajar, para conseguir vivir, y salir a flote, lo demás es ya casi un lujo. Relajarse, no pensar o el silencio es casi algo de otro mundo.

Tanto ruido que nos nubla el pensamiento, hoy, el silencio es visto como algo incómodo, o si no, dime, ¿cuanto rato solos en silencio permanecemos? ni si quiera ya en la ducha. Tan adentrados en este bullicio que tomarse un tiempo para cada uno, un momento, es ya casi un reto.

"[...] Me asusta con qué facilidad la gente abarrota sus mentes con tales basuras y deja que rumores e incidentes ociosos e insignificantes se introduzcan en un terreno que debiera ser sagrado para el pensamiento". H. D. Thoreau.

En numerosas viñetas Cortés nos muestra a un personaje con barba, bata y pantunflas, un hombre amable, bonachón y cariñoso que a simple vista podríamos pensar que se trata de alguien familiar, que nos da consejos, y nos hace pensar. Aquel amigo que nos hace preguntas incómodas y nos quita a veces muchas tonterías de la cabeza, que nos ayuda y nos echa una mano con todo aquello que necesitamos en cada momento. Alguien que siempre nos escucha y está ahí con nosotros. 

Muchos conocen a este peculiar personaje como un "dios de andar por casa" que cuida de sus geranios y de sus animales. Que se quita el triángulo, símbolo de la divinidad para colocárselo a una mujer pobre, que consuela a una chica lesbiana discriminada por la iglesia.

Cortés con humor e ironía  nos muestra su versión particular de este personaje llamado cariñosamente Abba (papá, papi) tan conocido por todos. No pretende alabar la religión, ni tampoco captar a nadie. Es apto para todos los públicos independientemente de todo lo demás. Para muchos podría llegar a ser revolucionario ver un dios escrito en minúsculas que va tranquilo por casa y que critica todos aquellos prejuicios y etiquetas impuestas, al que le duelen la injusticias y le indigna la indiferencia y la hipocresía de la iglesia. Como también aquel que sonríe, disfruta y se muestra cariñoso. 

A veces gusta tomarse un respiro y como cuando uno lee a Quino disfrutar de este particular y bonachón personaje que nos saca más de una carcajada con cada una de las verdades que nos cuenta.

"Sabemos que no pasa el tiempo, que somos nosotros los que pasamos; pero, mientras vamos pasando, podemos pasárnoslo francamente bien".

La vérité incommode. El Roto.

"¡Qué bien vivimos! ... Si es que a esto se le puede llamar vida..." El Roto.

"¡Si todo se supiese, ardería el mundo!" El Roto. 

Paseando por las salas del CAC (Centro de Arte Contemporáneo) me encontraba, ya por tercera vez, pero la sensación era como si de la primera vez se tratase. El silencio era estremecedor, solo unos pocos pasos se oían y los ruidos de la gente que hacía fotos; entre tanto alguna carcajada o un gesto de decepción. Mientras iba pasando de una viñeta a otra me fijé en la reacción de más de uno, algún rostro entristecido, una sonrisa de medio lado; pude comprobar también como alguien pasaba de largo al fijarse en una de las viñetas, casi huyendo de ella. 

Pero lo que más me impresionó fue aquella conexión, aquel encuentro, del espectador al enfrentarse cara a cara a una de ellas. Ese instante en el que el arte interactúa, conecta contigo y hace que tu realidad cambie. Para mí fue una experiencia tanto satisfactoria como incómoda, porque te muestra imágenes que a veces obvias, preguntas directas y reflexiones que a lo largo de la semana se escapan de tu mente. Pude echarle un buen vistazo a casi todas, pero sobre todo las que más me impactaron fueron las referentes a la ecología y a la naturaleza, en las que no pude dejar de preguntarme "¿qué pensaría Thoreau de todo ello?"

También las viñetas sobre política y temas polémicos actuales. Cansada como muchos de escuchar siempre las noticias por los mismos medios y los mismos hablando de la misma verborrea. De forma tan directa, sin andar con rodeos, El Roto nos muestra la actualidad, a veces cargada de ironía y sarcasmo, pero diciendo "verdades como puños". 

Una de las que más me impresionó y que no me esperaba encontrar fue la viñeta referente a lo que ocurrió en la plaza de Tiananmen. Me quedé impactada al verla, hace relativamente poco había estado leyendo y escribiendo sobre ello pero de una perspectiva muy diferente, como algo lejano, algo perteneciente al pasado y como un recuerdo de la valentía del pueblo chino. Ahora, en ese instante, me sentí dentro de la plaza, era a mí a quien estaba interpelando a que esa escena, ese momento no era ya lejano, sino que formaba parte del presente y debía enfrentarme a él. 

Sin duda el arte tiene multitud de puntos de vista y millones de reacciones, la mía fue esta, un desafío. En esta pequeña pincelada casi, por no decir totalmente subjetiva sobre la exposición de El Roto pretendía contar y relatar mi experiencia. Creo que a veces no es tan necesaria una explicación cargada de información fría, apática y árida sobre el autor y su obra, como las sensaciones, las reflexiones y la propia visión del que la contempla; al fin y al cabo la reacción de este último es quien completa la obra. 

"Soy un dibujante contenido. Busco decir las cosas que deben ser dichas, no para hacer una exhibición de empatía sino para que sea útil lo que digo y no hiriente". El Roto.

Les six sens: le corp et la nature

"El arte es el hombre añadido a la naturaleza." Van Gogh.

"Toda la naturaleza es como un arte desconocido del hombre" Alexander Pope.

Entre tanta búsqueda entre libros y papeles, me topé hace unos días con algunas notas sobre el libro tan conocido de Shakespeare, Hamlet, en las que hacía mención a Ofelia y lo ponía en relación con el trabajo que hace ya tiempo llevó a cabo la artista Rocío Verdejo llamado Quietud. En este proyecto nos mostraba a una Ofelia actual sumergida, estática y entregada totalmente al sueño eterno. Directamente dejé las notas y me fui a por el catálogo de su exposición, en un instante toda esa sensación de impotencia, ingravidez, somnolencia y paz me invadió de nuevo. Una tranquilidad agridulce en cada uno de los rostros flotantes. Estas distintas Ofelias se dejan llevar por el trascurrir del momento, sus cuerpos no respondían, permanecían inmóviles al servicio de la gravidez del fluir del agua. Cuerpo y naturaleza conviven. 

Este intenso contacto de cuerpo y naturaleza lo he podido encontrar además de una forma tan sensitiva y poética en el trabajo de la artista nicaragüense Giovannina Sequeira, interesada también en el tratamiento del cuerpo en el espacio natural, en el comportamiento del agua y del medio con la presencia humana. En sus diversas acciones, muchas  de ellas llevadas a cabo junto al trabajo de la fotógrafa Irene Cruz, la intimidad entre cuerpo y espacio natural es muy aguda, donde la piel es el medio para que la naturaleza emerja por ella, la recorra y se unan siendo una única cosa.

La percepción es tan fuerte que nuestros sentimientos se encuentran "a flor de piel", volvemos a percibir la viveza, la fuerza que el espacio natural nos transmite, es casi una mirada a nuestro origen, a nuestra fase más primaria de contacto directo con todo aquello que nos rodea. 

Ambas, cada una desde un tratamiento distinto nos proponen despertar nuestros sentidos y agudizarlos. El cuerpo femenino será una constante en el trabajo de las dos artistas, podríamos pensar que esta relación del cuerpo femenino nos alude a todas y cada unas de las connotaciones simbólicas referentes a la fecundidad y la fertilidad de la tierra; ambas como "madres engendradoras".

Esta visión es una nueva forma de relación con el medio natural, desde una perspectiva distinta en la que nos encontremos en armonía, en consonancia con el hábitat. Nos enfrentemos solos, en una relación de igualdad y de perfecta conexión.  

"El universo no está hecho de cosas sino de redes de energía vibratoria, emergiendo de algo todavía más profundo y sutil". W. Heisenberg

Fuentes: http://www.irenecruz.com   http://www.giovanninasequeira.com  http://www.rocioverdejo.es